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China ? Faraway, So Close !
2014 PhotoDocksArtFair (05 au 28 09.2014) Lyon France
« Faraway, So Close! » est un film réalisé par Wim Wenders en 1993 qui sert de suite au classique
« Les Ailes du désir ». Les observations de la vie sur terre par les invisibles, les anges immortels qui
peuvent écouter les pensées des humains et peuvent réconforter ceux qui sont dans la détresse sont
les fondations du premier film. Ces observations ont une incidence profonde sur la suite lorsqu’ un
ange intervient directement dans la vie de l'homme. Cet ange brise impulsivement la règle stipulée,
quand une petite fille tombe du balcon d'un immeuble et il descend de l'attraper. Soudain, il se
retrouve lui-même fait de chair et de sang et doit s'adapter à la transformation. Il commence à
apprendre, à moduler le volume de sa voix et à éviter d'être touché par les voitures. Il ne comprend
pas pourquoi tout le monde est seul et ne peut pas comprendre l'autre et sa capacité d’ange à
entendre leurs pensées a disparu. Où est la Chine? Dans un premier volet a lié des artistes chinois
et portugais dans une grande exposition de groupe qui s'est tenue à Pékin et Lisbonne en mai et
Juin. Il a été exploré l'idée d'identités transglobales dont le lieu et l'identité ne sont pas exclusivement
des conditions géographiques, économiques ou politiques. Les œuvres présentées ont établi un
dialogue entre plusieurs médias différents, d’'une certaine manière l’exposition reflète les voix de la
vie humaine en Chine vu par les artistes des deux pays. La Chine a été présentée comme étant
partout et nulle part. Néanmoins, il y a une dimension de la Chine qui n'a pas été explorée dans ce
premier volet. Un élément de connaissance qui est associé au transfert de l'énergie et de la sagesse
traditionnelle. Il y a un vieux proverbe chinois
« Bien que nées à mille lieux, les
âmes qui ne font qu’un, se réunissent » ce qui signifie qu'il y a une sorte de force prédestinée qui
rassemble les gens, même si elles sont de contrées lointaines. En chinois: « Faraway, So Close! » la
«réunion» devient une nouvelle forme et crée des visions alternatives des fondamentaux de la série
précédente. Les artistes de cette exposition ne sont pas des anges et comme dans la suite de Wim
Wenders où l'intrigue propose d'autres options, ils dialoguent aussi bien dans le contexte que dans
la représentation médiatique. Le cadre de cette nouvelle « réunion » apporte un niveau existentiel
perturbateur où la langue de la mondialisation est désormais considérée comme un point de
rencontre prédestinée qui est atteint à partir d'un point de vue nomade. Il n'est pas important
maintenant de cartographier les identités ou les lieux. On suppose que, même si nous sommes
éloignés, nous vivons tous plus proches les uns des autres, nous voyageons, nous rencontrons
l'autres et nous sommes connectés par la technologie. La sélection des œuvres et des artistes a été
faite selon les principes de la communication photographique et extensions liées au domaine des
images en mouvement. <Chine? Faraway, So Close! > Il s'agit d'une hybridation de différents
concepts artistiques et langages visuels, libérant la photographie de dépeindre la réalité en supposant
que notre propre existence en tant qu'êtres humains ne peut être pénétrée par les règles de la réalité
et mais imprégnée de fiction. Les artistes sélectionnés pour cette exposition présentent des œuvres
qui examinent le paradigme de la vie intérieure, telle qu'elle est vécue par les humains au lieu d'être
vus par les étrangers.
Curators : Zhou Ying (China)
José Drummond (Portugal)
Artistes
Hong Hao (b. 1965, Beijing, Chine) est diplômé du Département Gravure de l'Académie
des Beaux-Arts, Pékin en 1989, l'artiste vit et travaille à Pékin. Une des caractéristiques
du travail de Hong Hao est d’assembler images numérisées de divers objets trouvés, y
compris des cartes, des livres, billets, reçus, billets de banque, de la nourriture et des
conteneurs. En disposant les images numérisées en fonction de leurs formes et de couleurs,
il en détruit la propriété fonctionnelle des matériaux et reproduit un indéfini, aplati, un
monde de l'esthétique délibérément superficiel.
Le "Red Market" est le plus célèbre marché de Macao. Les gestes et les routines, entre la
vie et la mort. Les tonalités rouges sang, de chair, des seaux et même des yeux de
poissons, transportent le spectateur dans un univers étrange et effrayant qui est en même
temps beau et intrigant. Un docu-fiction qui propose un équilibre exact entre ce qui existe
et ce que nous voyons.
Dans l’histoire de l’art, certains gestes semblent compulsifs. Nous pouvons dire que dans
l'histoire es arts, et ceux concomitants, quoique focalisé, les gestes sont très présents
dans l'histoire du masque. Ce travail fait partie d'une exploration personnelle sur culturelle
traduction, l'identité, le désenchantement, l'illusion et la solitude. Il est le reflet d’un artiste
vivant en Chine depuis 20 ans, produit influencé par deux cultures : l’Est et l’ Ouest.
Cette installation est le résultat de la performance "Mapping Food". L'artiste mange un
repas chinois typique dans un restaurant au Portugal, mais qui pourrait être dans n'importe
quel autre quartier chinois dans le monde entier. La nappe est une carte du monde dans
la perspective de l'Est avec la Chine au centre de la carte. L'installation juxtapose la
serviette / carte utilisée dans la performance, qui est reproduit en stéréo par sa projection
vidéo avec une cartographie à l'image double inhabituelle.
« A Modern Study of a Ming Four-season Scenery Scroll »mon premier projet sur le concept
de la photographie. En 2006, j'ai commencé être insatisfait avec l’utilisation simple imitant
des styles classiques, et commencé à explorer l'idée d'installations utilisant les thèmes de
la peinture des paysages traditionnels. Cela se sent à moi comme une transformation du
contexte naturel. J'ai imaginé que les anciens savants et peintres chinois auraient pu
concevoir des objets artistiques, à l'extérieur de leurs peintures traditionnelles. Que ce soit
des objets du quotidien ménager, des outils scientifiques ou de grands jardins et des palais
de la Chine ancienne, ces modèles sont intrinsèquement liés à l'installation moderne et
l'art environnemental. Si ces savants étaient vivants aujourd'hui, ils auraient sans doute
été ravis du plus large choix de matériel disponible. Ces aménagements paysagers sont
basés sur des images de peintures de paysages classiques. Les micro-images ont été
éclatées, imprimées, et enfin restaurer dans leur format d’origine. De cette façon, le
processus d'aller de la peinture classique à la photographique est devenu un cycle
d'absorption. Ce n’est pas comme utiliser un outil tel que Photoshop, le processus essentiel
s’appuie sur les méthodes traditionnelles, et chaque segment conserve, autant que
possible, un air de simplicité.
L'artiste a trouvé cette série de 4 images, illustrant les positions de premiers soins, dans
un marché aux puces à Berlin. Comme dans le reste de son travail, il établit un dialogue
avec le spectateur qui n'a rien de contemplatif ni de statique. Le jeu de tensions entre ces
mains (qui s'entrelacent et aident; qui forcent et se maintiennent) suggère beaucoup
d'autres tensions et autres géographies.
Wang Jinsong dans “An Explanation of One Hundred Chai”", Chai semble être une ligne de
démarcation, sur sa gauche la destruction, à sa droite la reconstruction. Chai révèle son
sens de cette façon, il faut détruire le vieux pour créer le nouveau, sentiment de tristesse
mais également d’excitation. Le dilemme de Wang Jinsong sur la cassure , la destruction
au fil des ans est le fait pour lui d’être « excité »à l’idée de trouver un langage à travers
lequel exprimer ses sentiments intérieurs. Dans le même temps, il se sent «triste» à propos
de la réalité de Chai et le contexte culturel. « Cent Images de Chai » démontre la sensibilité
et la puissance de la réflexion d'un artiste.
Dans « Can I Cooperate With You? » l'artiste fait référence à une peinture chinoise classique
représentant un empereur Tang recevant un ambassadeur étranger. Ici, l'étranger et les
Chinois changent de place, avec l'étranger entouré d'adulation, la puissance et la richesse,
et la Chine, avec son petit drapeau, , mendiant à la recherche, d’une collaboration
d’entreprise. Le défi est maintenant de comparer la façon dont les deux dernières
décennies ont changé la Chine.
Les maquettes architecturales déployées pour promouvoir l'immobilier sont la configuration
des récits de la façon dont la mondialisation est en train de transformer l'environnement
urbain et de la vie contemporaine - ". Vieux" qui célèbre le «Neuf» constamment
remplacé, les gens vivent dans des cubes qui sont pressés les uns à côté des autres,
séparés seulement par de minces parois. Cette proximité physique, au lieu de conduire à
une plus grande proximité et d'intimité entre les gens, peut souvent créer une distance
psychologique et la solitude.
La série de "The Sky" enregistre la scène d'un chantier de construction dans la
China.Vertically, par le point de vue de la photographie comme un angle de vue de Dieu,
les travailleurs coiffés de les casques de sécurité colorisées comme les fourmis au travail,
l’échange des outils, les étincelles de soudures électriques, la pulvérisation des eaux du
robinet, les câbles de diffusion et le changement entre l'humide et le sec de la dalle de
béton. Tout ceci compose une série de " peinture de lavage" de la ville. En fait, dans les
dernières photos appelées "nine cells photos" les débris laissés par le passage des ouvriers
nous donnent l’illusion de la peinture, elles ne sont pas prises d’un avion ni avec un énorme
matériel photographique; ces neuf photos indépendantes sont prises au hasard. L'absence
d'écran 3D et l'ombre produisent une conception artistique illusoire, comme si les
travailleurs étaient le seul sujet en trois dimensions qui marche sur les nuages. En outre,
l'espace dans chaque photo est conservé indistinctement pour faire un ciel gris cassé. Dans
la pratique, cette photo annonce un caractère typique de la Chine d'aujourd'hui: le sol
couvert par la RC et le ciel couvert par l'air pollué.