Michel Majerus - CAPC musée d`art contemporain de Bordeaux

Document pédagogique
d’accompagnement
Pour sa grande exposition de l’été, le CAPC programme la première
rétrospective en France consacrée à Michel Majerus. Seul musée
français à avoir dans sa collection une œuvre monumentale de
l’artiste luxembourgeois, le CAPC accueille une sélection conséquente
d’installations et de peintures dans sa nef, dont la gigantesque rampe
de skateboard If you are dead… so it is.
Commissariat : Charlotte Laubard
31.05 / 23.09.2012
Michel
Majerus
Michel Majerus, Pathfinder, 2002. Courtesy neugerriemschneider, Berlin © michel majerus estate, 2002

Synopsis
Michel Majerus (1967-2002) était considéré comme
l’un des peintres les plus prometteurs de sa génération
avant qu’il ne disparaisse tragiquement dans un crash
aérien. Élève de l’académie des Beaux Arts de Stuttgart,
il suit les cours de Joseph Kosuth, artiste américain
conceptuel. Il fait partie de cette génération d’artistes
travaillant à Berlin juste après la Chute du Mur.
Majerus fonctionne par appropriation, puisant ses
sources d’inspiration dans les grands mouvements
de l’art du vingtième siècle avec une prédilection
marquée pour le Pop Art et les images numériques.
Il glane également des références dans le domaine
technologique, la culture populaire, l’univers télévisuel
et les jeux vidéo : logos, clichés de designers, slogans,
éléments multicolores aux développements visuels
énormes.
Il multiplie styles, motifs et techniques. Il peint
toujours des œuvres de grands formats. Son œuvre
décompose des associations de sens connues et donc
conventionnelles, en étirant leur matérialité dans des
installations de plus en plus grandes.
La virtuosité de ce peintre s’illustre en outre dans la
manière dont il a su jouer, tout au long de sa carrière,
de son nom comme une signature, marque déposée
à l’identité visuelle uctuante. Le nom, Majerus, n’est
plus seulement le support de la renommée, il acquiert le
statut du logo, de l’image même de l’artiste. L’image de
soi mute vers l’iconique en se réappropriant les codes
visuels du star system et de la publicité. L’esthétique
violente de la consommation et de la stratégie des signes
insiste là encore sur cette prééminence de l’image dans
l’œuvre de Majerus.
Sa carrière prend une ampleur internationale en 1996
lors d’une exposition à la Kunsthalle de Bâle. En 2000,
Majerus s’installe à Los Angeles pour réaliser une
série de trente peintures monumentales intégrant
médium numérique et vidéo, cycle interrompu par le
décès soudain de l’artiste. Neuf de ces tableaux sont
cependant présentés lors de l’exposition posthume Pop
Reloaded, toiles où la confusion visuelle des paysages
urbains côtoie l’omniprésente hégémonie des panneaux
publicitaires des abords d’autoroute et des zones
d’activités commerciales. En 2002, à Berlin, Majerus
expose des tableaux de grands formats où l’on remarque
la source du Pop Art américain : la couleur de James
Rosenquist, les méthodes de travail d’Andy Warhol.
L’artiste transforme souvent l’espace architectural d’une
galerie en dédale dynamique composé de peintures
larges et de bannières, par exemple à la Biennale de
Venise, à la Manifesta 2 de Luxembourg et à la porte
Brandenburg de Berlin.
Le goût pour le gigantisme s’exprime également
dans l’installation If you are dead, so it is, point
d’orgue de l’œuvre de Majerus. Cette rampe de skate
surdimensionnée reprend toutes les thématiques de
l’œuvre de Majerus : couleurs vives, motifs issus de la
publicité, des médias, de l’histoire de l’art, de la culture
populaire, hip-hop et techno. Donnant de l’importance
au temps, à la perception et au mouvement, l’artiste
propose une expérience instantanée aux visiteurs,
qui peuvent rester spectateurs ou devenir acteurs
de l’œuvre en s’appropriant la rampe et en glissant
dessus. Par sa démesure et ses références appuyées
à des problématiques toujours prégnantes dans notre
société actuelle – inuence du virtuel, liens marqués
avec l’univers du design, hybridité d’une peinture
vécue comme espace physique et plastique – cette
œuvre monumentale ancre dénitivement l’exposition
monographique présentée au CAPC dans la modernité.
artcyclopedia.com/artists/majerus_michel.html

Une découverte approfondie
des expositions, (par groupe de 10 enseignants
maximum et sur inscription), an de préparer des visites
libres avec les classes, de favoriser les échanges, de
répondre à vos questions et d’élaborer un parcours adapté
à vos projets, est régulièrement proposée le mercredi
après-midi.
Pour préparer la visite, un document / aide à la
visite est téléchargeable sur Écolien / site de la DSDEN de
la Gironde tice33.ac-bordeaux.fr/Ecolien/ les ressources /
éducation artistique / partenaires /musées.
CAPC :
acronyme de Centre d’Arts Plastiques Contemporains
art plastique : art producteur ou reproducteur de -
formes, de volumes
contemporain : qui est du temps présent, actuel -
L’origine du lieu, sa destination première :
L’Entrepôt réel des denrées coloniales, construit en 1824
pour assurer un contrôle plus efcace sur la transaction
des marchandises. (documents Proposition de parcours /
L’Entrepôt et Proposition de parcours / Œuvres in situ,
téléchargeables sur capc-bordeaux.fr ou sur tice33.ac-
bordeaux.fr/Ecolien/)
La collection, la collection du CAPC musée d’art
contemporain est accessible en ligne via son site internet
capc-bordeaux.fr/la-collection
La définition du musée
(selon l’ICOM – International Council of Museums / 2007)
Un musée est une institution permanente sans but lucratif
au service de la société et de son développement ouverte
au public, qui acquiert, conserve, étudie, expose et
transmet le patrimoine matériel et immatériel de l’humanité
et de son environnement à des ns d’études, d’éducation
et de délectation.
Avant la visite,
quelques rappels…
L’enseignement de l’histoire des arts est
un enseignement de culture artistique
partagée. Il concerne tous les élèves.
Il est porté par tous les enseignants.
Il convoque tous les arts. Son objectif
est de donner à chacun une conscience
commune : celle d’appartenir à l’histoire
des cultures et des civilisations,
à l’histoire du monde.
→ Voir encart « Organisation de l’enseignement de l’histoire
des arts » / BO n°32 - 28 août 2008
→ Voir site de l’enseignement de l’histoire des arts à l’école,
au collège et au lycée : eduscol.education.fr/cid45674/a-l-
ecole-au-college-et-au-lycee.html
Quelles que soient les conditions de visite, le
professeur est toujours responsable de sa classe
et il est recommandé une vigilance soutenue à
l’égard des élèves et une attention accrue aux
règles de respect du lieu, des œuvres, du public
et du personnel.

Le colorisme éclatant
En référence à la culture Pop, à la société
de consommation, aux expérimentations de
l’Expressionnisme abstrait, l’œuvre de Majerus explose
de couleurs opposées à la gamme innie des blancs.
Le gigantisme et la peinture « englobante »
Ces immenses peintures sont conçues comme des
environnements. Certaines, telle la rampe de skate,
présentent un caractère hybride et proposent une
combinaison entre la planéité de la peinture et
tridimensionnalité de son support.
L’effet puzzle
L’étroitesse des premiers ateliers occupés par Majerus
l’a contraint à travailler sur de petits formats qu’il
combinait ensuite comme un puzzle. Néanmoins, c’est
sur son ordinateur que l’artiste envisageait ces fragments
dans leur globalité et leur agencement futurs.
Le sampling
Le sampling (échantillonnage) est une technique de
création musicale obtenue par le biais de supports
technologiques à base d’échantillonnages sonores
préexistants, numérisés puis mis en boucle pour former
un morceau inédit.
Majerus réadapte ce procédé et constitue un répertoire
de motifs piochés dans l’histoire de l’art, la BD, les jeux
vidéo ou la publicité pour créer des boucles visuelles
dans son œuvre. Avec ce système de signes et de
références, toute hiérarchie entre culture haute et culture
plus populaire est annulée.
L’accumulation
À la manière d’une chambre d’adolescent saturée de
posters, Majerus compile, métisse, greffe et superpose
des multitudes d’images, sans souci de hiérarchie
plastique.
Les mots
Majerus use et abuse d’aphorismes en Anglais ou en
Allemand, parfois lieux communs, parfois grossièretés.
Son patronyme devient aussi un élément récurrent,
au même titre qu’un motif ou que le blase d’un taggueur
ou d’un graffeur.
La réappropriation
Au-delà de la simple citation artistique, Majerus rend
hommage à des artistes qu’il admire (Frank Stella, Andy
Warhol, Jean-Michel Basquiat…) en se réappropriant
leurs œuvres et en les incluant dans ces travaux,
parfois rehaussées de sa touche picturale, d’autres fois
manipulées et recomposées, souvent citées in extenso.
La référence au Pop Art
C’est en Grande-Bretagne au milieu des années 1950,
que le critique d’art anglais Lawrence Alloway a,
le premier, employé le terme de Pop Art pour désigner
une culture de masse disqualiée (publicité, télévision,
magazines, vedettes, idoles…). Un peu plus tard, au
tout début des années 1960, le Pop Art américain
émerge, avec Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert
Rauschenberg ou Jasper Johns. Ces artistes américains
vont populariser ce courant artistique devenu majeur,
en questionnant la consommation de masse de façon
agressive ; l’art devient un simple produit à consommer.
le-pop-art.com/
Les techniques
L’œuvre de Majerus est protéiforme et associe souvent
différentes techniques (peinture acrylique ou murale,
collages, écritures sérigraphiées sur papier ou
impressions digitales) et divers supports (toile, métal,
carton).
Ses travaux naissent d’un assemblage de motifs
collectés dans le quotidien ou glanés sur internet, dont
les contours sont dessinés selon la technique de la
rétroprojection. Le geste est rapide et spontané, sans
gomme ni repentir. Certains travaux peuvent sembler
inachevés ; cependant Majerus travaillait d’une traite,
jusqu’à l’achèvement du travail entrepris.
Quelques caractéristiques
du style de Michel Majerus

Marc Rothko (1903-1970) est un peintre américain
représentant de l’Expressionnisme abstrait américain.
En évoluant dans le temps d’un point à l’autre, l’œuvre
d’un peintre progresse vers la clarté, vers l’élimination de
tous les obstacles se dressant entre le peintre et l’idée,
entre l’idée et le spectateur.
M. Rothko
artcyclopedia.com/artists/rothko_mark.html
Willem de Kooning (1904-1997) est un peintre américain
d’origine néerlandaise, initiateur de l’Expressionnisme
abstrait.
Auparavant, il était très audacieux de faire une gure
rouge ou bleue - je pense maintenant qu’il est tout aussi
audacieux de la représenter couleur chair.
W. de Kooning
artcyclopedia.com/artists/de_kooning_willem.html
Roy Fox Lichtenstein (1923-1997) est un des artistes
les plus importants du mouvement Pop Art américain.
Ses œuvres s’inspirent fortement de la publicité et
de l’imagerie populaire de son époque, ainsi que des
comics (bandes-dessinées). Il décrira lui-même son style
comme étant aussi articiel que possible.
Ce qui marque le pop, c’est avant tout l’usage qu’il fait de
ce qui est méprisé et on insiste sur les moyens les plus
pratiques, les moins esthétiques, les plus beuglants des
aspects de la publicité.
R. Lichtenstein
lichtensteinfoundation.org/
artcyclopedia.com/artists/lichtenstein_roy.html
Ellsworth Kelly est un peintre abstrait américain né en
1923. Son œuvre peut être apparentée au courant du
Minimalisme.
Je pense que si tu peux arrêter de penser et ne regarder
qu’avec tes yeux, nalement tout deviendra abstrait.
E. Kelly
artcyclopedia.com/artists/kelly_ellsworth.html
Andy Warhol (1928-1987) est un artiste américain,
gure centrale du Pop Art, dont il est l’un des pionniers.
À travers ses œuvres et ses lms, dans son atelier connu
sous le nom de Factory, Warhol dresse le tableau d’une
société tout entière et met en place une nouvelle forme de
production artistique, sérielle, presque industrielle.
Tous mes portraits doivent avoir le même format pour
qu’ils tiennent tous ensemble et nissent par former un
seul grand tableau intitulé Portrait de la Société.
Bonne idée, non ? Peut-être que le Metropolitan Museum
voudra l’acquérir un jour ?
A. Warhol
www.warhol.org/
artcyclopedia.com/artists/warhol_andy.html
James Rosenquist est un peintre américain né en 1933.
Ses tableaux très colorés et de très grands formats sont
inuencés par son métier de peintre publicitaire.
J’utilise d’abord une palette de gris, noir et blanc.
J. Rosenquist
jimrosenquist-artist.com/
artcyclopedia.com/artists/rosenquist_james.html
Frank Stella est un peintre américain né en 1936. Il est
considéré comme un précurseur du Minimalisme ainsi
qu’un des principaux représentants de l’Op Art.
En découpant ses toiles à l’intérieur d’épais châssis et en
leur faisant épouser le motif intérieur de façon à afrmer
la littéralité de l’œuvre et à mettre en cause les
conventions liées au médium pictural (shaped canvas),
Stella irte entre pictural et sculptural. Dans les années
1960, il emploie un éventail de couleurs, typiquement
disposées en lignes droites ou sur des lignes incurvées.
(voir Protractor Series, 1967).
Tout ce qu’il y a à voir est ce que vous voyez.
F. Stella
artcyclopedia.com/artists/stella_frank.html
Martin Kippenberger (1953-1977) est un artiste
allemand, peintre, dessinateur, sculpteur, écrivain,
poète, photographe, musicien, professeur à l’Académie,
organisateur d’expositions et collectionneur d’art
contemporain. Il admet se permettre le luxe de produire
des « au-dessus-de-canapé-tableaux » pour clientèle
avec canapé…
Je ne peux pas me couper une oreille tous les jours.
Être Van Gogh ici et Mozart là. C’est déjà bien assez
éprouvant de devoir contrôler continuellement ce qu’on
fait vraiment.
M. Kippenberger
artcyclopedia.com/artists/kippenberger_martin.html
Albert Oehlen est un peintre allemand né en 1954. Il fait
partie du mouvement néo-expressionnisme allemand.
La composition se fait au fur et à mesure. Je tords, je
pousse, je tire. Je ne pourrais pas travailler d’après
un dessin. Donc, je ne commence pas par élaborer la
composition pour poser les couleurs ensuite. Tout se fait
en même temps.
A. Oehlen
artcyclopedia.com/artists/oehlen_albert.html
Jean-Michel Basquiat (1960-1988) est un artiste peintre
américain d’origine haïtienne et portoricaine. Baptisé
Radiant child (Enfant radieux), Basquiat est un des
pionniers de la culture underground. En 1977, il commence
à signer ses graftis du nom de SAMO© (pour Same Old
Shit) accompagné d’une couronne et du sigle du copyright.
jean-michel-basquiat.net/
artcyclopedia.com/artists/basquiat_jean-michel.html
Des artistes, cibles privilégiées
des réappropriations de Majerus