CESAR DOIT MOURIR Paolo Taviani, Vittorio Taviani, Italie (2012
publicité
CESAR DOIT MOURIR Paolo Taviani, Vittorio Taviani, Italie (2012) A partir de 10 ans Conseillé pour les 11 ans et plus. Les frères Paolo et Vittorio Taviani, nés en Toscane en 1929 et 1931, sont réalisateurs, scénaristes et producteurs. Après des études d’art à l’Université de Pise ils se tournent vers le cinéma, marqués par les films de Roberto Rossellini. Ils débutent avec des documentaires puis s’orientent, dans les années 60, vers la fiction avec des films engagés, orientés vers les conflits ouvriers, la lutte des classes. Ils co-réalisent tous leurs films. PRIX : Ours d’Or du meilleur film et Prix du jury œcuménique à la Berlinale 2012 David de Donatello au meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur producteur, meilleur montage 2012 Prix interprétation masculine, Prix Lycéen, Prix Università di Corsica au Festival du Cinéma Italien d’Ajaccio Prix FIPRESCI du meilleur acteur dans un film de langue étrangère au Festival international du film de Palm Springs 2013 Prix Jean Renoir des lycéens 2013 (Entre autres) Copyright © Festival de Cinéma Européen des Arcs – Révélations Culturelles. Toute reproduction interdite sans l’autorisation de l’auteur. FILMOGRAPHIE : 1954 : San Miniato, luglio '44 (CM) 1962 : Un homme à brûler 1963 : Les Hors-la-loi du mariage 1967 : Les Subversifs 1969 : Sous le signe du scorpion 1971 : Saint Michel avait un coq 1974 : Allonsanfan 1977 : Padre padrone 1979 : Le Pré 1982 : La Nuit de San Lorenzo 1984 : Kaos, contes siciliens 1987 : Good Morning, Babilonia 1989 : Le Soleil même la nuit 1992 : Fiorile 1996 : Les Affinités électives 1998 : Kaos II 2001 : Résurrection (TV) 2004 : La Sanfelice (TV) 2007 : Le Mas des alouettes ( (d'après le roman d'Antonia Arslan Le Mas des alouettes : Il était une fois en Arménie) 2012 : César doit mourir 2015 : Contes italiens TAGS : théâtre, littérature, réalité-fiction, jeu, prison, liberté SYNOPSIS : Italie. Théâtre de la prison de Rebibbia. La représentation de Jules César de Shakespeare s’achève sous les applaudissements. Les lumières s’éteignent sur les acteurs redevenus des détenus. Ils sont escortés et enfermés dans leur cellule. Mais qui sont ces acteurs d’un jour ? Pour quelle faute ont-ils été condamnés et comment ont-ils vécu cette expérience de création artistique fédératrice ? Un vrai-faux docu-fiction, une belle et magistrale leçon de vie et de cinéma. EXTRAIT INTERVIEW AVEC LES RÉALISATEURS : Vous considérez Shakespeare comme une de vos références majeures. Pourquoi ? Paolo Taviani : Nous disons en blaguant que Shakespeare a été pour nous un père, un frère et un fils. Dans notre jeunesse, c’était un mythe : nous avons lu ses œuvres, perçu sa grandeur et nous avons utilisé dans notre travail les instruments qu’il nous a donnés. Mais son œuvre était si accessible que nous nous en sommes toujours sentis très proches, comme d’un grand frère génial. Copyright © Festival de Cinéma Européen des Arcs – Révélations Culturelles. Toute reproduction interdite sans l’autorisation de l’auteur. Car il ne faut pas cesser de le répéter : il est important de toujours redécouvrir Shakespeare. Maintenant que nous sommes devenus très âgés, nous avons décidé que nous pouvions changer Shakespeare un petit peu, le déconstruire pour le réassembler d’une autre manière. Et nous l’avons fait pour le cinéma qui est un monde assez différent de celui de Shakespeare. Nous avons aussi pensé que ce serait une bonne idée de monter cette pièce de théâtre en prison. Comment avez-vous fait le casting ? Paolo Taviani : Quand nous avons rencontré ces acteurs, ils étaient à la fois des détenus et des acteurs. Fabio Cavalli nous a beaucoup aidé car c’est un metteur en scène de théâtre qui a dédié une partie de sa vie au théâtre en prison. Il nous a donné la possibilité de rencontrer les détenus. Ensuite, nous en avons choisi quelques uns. Pendant les auditions et les répétitions, ils ont donné leurs véritables noms, pas des pseudonymes, ils ont pleuré, se sont mis en colère, alors qu’ils savaient que tout cela serait dans un film qu’on verrait dans les salles italiennes. Cela nous a beaucoup étonné tout comme le fait qu’ils jouaient très bien, même si c’était d’une façon peu conventionnelle. Quand l’acteur dit "je vais tuer César", il y a une douleur qui n’est pas celle d’un acteur habituel car on ressent son propre passé. Ces acteurs détenus étaient capables de communiquer d’une manière très émotionnelle. Pourquoi avoir réalisé le film en noir et blanc ? Vittorio Taviani : Aujourd’hui, il y a tellement d’images en couleurs qui donnent une représentation très naturaliste. Nous voulions montrer autre chose : ce qu’il y a dans l’âme de ces gens. C’est pour cela que nous avons choisi le non réalisme du noir et blanc. Pour nous, tout cela a été une expérience unique. Quand nous sommes entrés pour la première fois dans la prison, c’était comme pénétrer dans un monde nouveau. La complexité du destin humain est très mystérieuse. (Source – Cineuropa: http://cineuropa.org/it.aspx?t=interview&l=fr&did=216198) BANDE-ANNONCE: https://www.youtube.com/watch?v=DkuQE3HzUPE Copyright © Festival de Cinéma Européen des Arcs – Révélations Culturelles. Toute reproduction interdite sans l’autorisation de l’auteur. THÉMATIQUES ET INTERPRÉTATIONS: Une scénarisation du réel ou un docu-fiction La mise en abyme qui entretient un jeu d’illusion et de désillusion est au service du genre du film : le docu-fiction ou documentaire fiction. L’oscillation entre représentation et répétition ainsi que couleur et noir et blanc donnent une impression de réel scénarisé. La pièce vient peu à peu s’immiscer dans le quotidien des incarcérés et l’artifice du jeu devient vite leur réalité. Les couloirs et les cellules agissent comme des espaces scéniques pour les acteurs prisonniers. Les gardiens sont happés par la performance des détenus et s’apparentent à des spectateurs enjoués. Lors du monologue de Brutus, les détenus se positionnent également en temps que spectateurs derrière les grilles de la prison. La présence d’un public au sein même du film ajoute à la mise en scène du réel. Ainsi, réel et représentation se brouillent. Le film se focalise sur le pouvoir de l’interprétation, inhérent au façonnage des personnages. La pièce vient habiter le quotidien de ces derniers. L’interprétation des répliques est parfois si prenante que les acteurs se les approprient : « c’est comme » et « on dirait que ». Le docu-fiction est nourri par l’absence de commentaire. Cela renforcerait une impression de prises de vue directes inscrivant les images dans le genre documentaire. Le film débute avec la captation finale de la pièce : le plan fixe et la multitude des points de vue convergent en effet vers une illusion d’objectivité. Cette objectivité est à la fois illusoire et temporelle car le film bascule de la couleur au noir et blanc. Ce balancement souligne le passage de la captation (le résultat final), à la construction de la pièce. Puisque la pièce n’est pas encore en vie, elle ne peut être filmée en couleur. Les scènes en noir et blanc accentuent également le sort d’enfermement des détenus ou plus simplement marquent l’analepse du film. Copyright © Festival de Cinéma Européen des Arcs – Révélations Culturelles. Toute reproduction interdite sans l’autorisation de l’auteur. La dimension humaine et universelle du film La dimension humaine et universelle du film réside dans la présentation des personnages ainsi que dans les thèmes avancés. Les frères Taviani s’affranchissent de la théâtralité en proposant une représentation cinématographique de Jules César. Ce choix permet de présenter différemment les acteurs de la pièce. Les plans de cinéma rendent possible une lecture plus approfondie des visages. Alors qu’au théâtre les tensions sont habituellement exprimées par les corps, les gros plans cinématographiques montrent les détenus directement habités par leur personnage. Une exploration de l’intériorité de chacun d’entre eux est possible, les humanisant et les individualisant. Cette volonté d’humanisation est particulièrement palpable dans l’évolution de la première et dernière séquence. Initialement, les détenus sont présentés en groupe. Une contre-plongée présente l’ensemble de la prison comme bâtiment imposant et encadré, ou tous les détenus sont logés à la même enseigne. D’autres images, comme le défilé des ombres des incarcérés sur le mur, entretiennent une certaine mise à distance vis à vis de ces hommes. La foule anonyme est détectable par le bruit de voix assourdis, ou les cris des prisonniers perceptibles hors champs. La séquence ultime propose un regard nouveau sur ces détenus, filmés individuellement, comme Cassius. La scène montre un homme seul, exprimant une solitude humaine dont nous sommes tous un peu victime. La réplique qu’il prononce : « Depuis que j’ai connu l’art, cette cellule est devenue une prison. » le sensibilise. Une autre évolution peut être perçue dans ce qu’énoncent les intertitres entre les plans d’exposition des incarcérés puis le générique de fin qui présente leur future émancipation dans un domaine artistique. Les détenus sont étiquetés avec l’inscription de leur infraction sous leur visage mais l’évolution de ces intertitres enlève les stigmatisations faciles et initiales. La mise en musique de la pièce a permis de faire évoluer les incarcérés sur un plan humain. La matière humaine du film ne se perçoit pas uniquement dans le traitement de l’évolution des personnages mais dans les thèmes abordés. La pièce qu’ont choisi les cinéastes parle de la trahison nécessaire d’un homme au service d’une cause politique. Il est question de la lutte des pouvoirs et de liberté. En effet, le monologue de Brutus se focalise sur la lutte contre la tyrannie et pour la liberté. Ces thèmes ont une portée universelle et intemporelle puisque le monologue de Brutus ne s’encre dans aucun contexte spatiotemporel limité. Aux motifs symétriques récurrents, emblématiques de l’univers carcéral, s’oppose une représentation artistique qui libère les incarcérés. L’art nourrit une forme d’illusion continuelle, une abstraction, en contraste avec le monde étriqué dans lequel ils vivent. Cette libération se maniCopyright © Festival de Cinéma Européen des Arcs – Révélations Culturelles. Toute reproduction interdite sans l’autorisation de l’auteur. feste également au sein même de la troupe puisque le metteur en scène s’efface progressivement, abolissant peu à peu la hiérarchie existante. César doit mourir a pour volonté de démocratiser la culture la rendre vivante dans les prisons. La scène ultime du détenu qui se retrouve seul dans sa cellule ajoute une note de désespoir au sentiment d’espoir qui prédominait dans le film. Ainsi, la fluctuation entre espoir et désespoir, liberté et enfermement, vie et mort, s’exprime visuellement dans le film pour marquer son inhérence à la condition humaine. La puissance de l’art comme échappatoire L’exploitation des méthodes de cadrage voire de sur-cadrage, les arrières plans dévoilant grillages et ombres sont autant d’indices sur la condition des détenus et du milieu carcéral dans lequel ils évoluent. Les grilles et les verrous situent assez franchement le sort des personnages. Ce dépouillement du décor avec comme fil conducteur des ombres errantes sur les murs nus, sont un rappel constant de la nature du lieu. L’ombre grillagée en arrière plan lors de l’audition indique le profil des acteurs. La réplique « On est des scruteurs de plafond » insiste sur leur condition. Cependant, la composition du film peut être perçue autrement, de manière circulaire, comme une échappatoire possible. La première répétition de la pièce se situe dans un espace clos mais avec le jeu de lumières, des tonalités plus optimistes ressortent. Les incarcérés s’approprient l’espace clos par des déplacements : les portes ouvertes sont franchies, le passage d’une cellule au couloir et du couloir à la cour symbolisent le cheminement vers une forme de liberté. Ce n’est pas anodin si les acteurs crient « Liberté, liberté » lors de la scène finale, comme s’ils tendaient vers cette condition. Les mouvements des acteurs et la mise en place de la pièce permettent de décloisonner la prison. Lorsque Brutus et César répètent individuellement leurs répliques, l’alternance des gros plans fait disparaître le couloir qui les séparent et donne une impression de dialogue direct. Les cadrages en gros Copyright © Festival de Cinéma Européen des Arcs – Révélations Culturelles. Toute reproduction interdite sans l’autorisation de l’auteur. plans sont un moyen de les extraire du décor carcéral. Le zoom sur le rocher dans un paysage maritime symbolise l’évasion mentale des personnages. Une forme de liberté physique, couplée avec une relâche émotionnelle. L’appropriation d’une œuvre déclenche un processus de catharsis chez les acteurs. La scène ou Brutus se jette sur l’épée de Stratone est une manière de revivre sa nature de criminelle à travers l’artifice du théâtre. Lors de la scène de la bataille finale, le salut et la joie des acteurs est aveuglante. L’art permet de façonner l’humain de la même manière qu’il s’en nourrit. Le théâtre dévoile les possibilités de l’existence que leur vie ne leur avait pas offerte. Cela se reflète dans la réplique finale : « Depuis que j’ai connu l’art, cette cellule est devenue une prison. » PISTES DE RÉFLEXION POUR LES ÉLÈVES: - - Quelles couleurs dominent cette affiche ? Quel sens leur accorde-ton ? Quels sont les signes qui interrompent la répétition des acteurs? Comparez les intertitres des images initiales avec ceux des portraits du générique de fin. Comment interprétez-vous cette évolution ? Comment analyseriez-vous le choix du noir et blanc ? Robert Altman : “[Leurs films] parlent d’êtres humains, ils parlent de l’Italie simplement parce que c’est leur culture, comme moi je parle de l’Amérique. […] Nous donnons notre point de vue sur la condition humaine, sur notre monde, sur notre culture, sur notre société. Et c’est seulement là-dessus que nous pouvons être jugés. » Trouvez vous que ce postulat est justifié ? En quoi peut-on dire que César doit mourir est un film à portée humaniste ? La structure du film est-elle fermée ou circulaire ? Que peut symboliser le zoom sur l’image d’un rocher dans un paysage maritime ? Faites des recherches et définissez le terme « catharsis ». Quelles scènes montrent que le processus de catharsis est enclenché lorsque les acteurs jouent ? Comment comprenez vous la dernière réplique: « Depuis que j’ai connu l’art, cette cellule est devenue une prison. » Relève-t-elle du pessimisme ? POUR ALLER PLUS LOIN: Remise de l’Ours d’Or à la Berlinale pour les frères Taviani: https://www.youtube.com/watch?v=BLWEWfgWAaI Documentaire sur le milieu carcéral: Titicut Follies de Frederick Wiseman (1967) Copyright © Festival de Cinéma Européen des Arcs – Révélations Culturelles. Toute reproduction interdite sans l’autorisation de l’auteur.
