Dossier de presse - Gennevilliers theatre

© Misako Shimizu
Toshiki Okada / chelfitsch
Time’s Journey Through a Room
[23 – 27 septembre 2016]
Représentations : vendredi 23, samedi 24, lundi 26 sept. à 20h30, dimanche 25 à 15h, mardi 27 à 19h30
Tarifs : de 7€ à 24€
Réservation : sur place ou par téléphone au 01 41 32 26 26 / du mardi au samedi de 13h à 19h
ou [e-mail] et en ligne sur : www.theatre2gennevilliers.com
Service de presse :
Théâtre de Gennevilliers — Philippe Boulet — 01 41 32 26 10 — [e-mail]
Festival dʼAutomne à Paris — Christine Delterme, Guillaume Poupin — 01 53 45 17 13
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Toshiki Okada / chelfitsch
Time’s Journey Through a Room
[23 – 27 septembre 2016]
texte, mise en scène, Toshiki Okada
son, scénographie, Tsuyoshi Hisakado
costumes, Kyoko Fujitani (FAIFAI)
assistante à la mise en scène, Yuto Yanagi
régie générale, Koro Suzuki
régie son, Norimasa Ushikawa
régie lumière, Tomomi Ohira (ASG)
traduction française, Mathieu Capel
photo, communication, Masumi Kawamura
production, Akane Nakamura, Tamiko Ouki (precog)
assistante de production, Mai Hyodo (precog)
coordination de la production, Chizuru Matsumoto
avec
Izumi Aoyagi, Mari Ando, Yo Yoshida
durée : 1h15 – spectacle en japonais surtitré en français
Production chelfitsch – Production associée, precog
Coproduction Kyoto Experiment / ROHM Theatre Kyoto ; Kunstenfestivaldesarts (Bruxelles) ; Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt ;
FFT Düsseldorf ; La Bâtie-Festival de Genève ; HAU Hebbel am Ufer (Berlin) ; SPRING Performing Arts Festival Utrecht ; Festival
dʼAutomne à Paris
Coréalisation T2G – Théâtre de Gennevilliers ; Festival dʼAutomne à Paris
Avec le soutien de lʼAgence des affaires culturelles du Japon dans lʼannée fiscale 2016, de la Fondation pour lʼétude de la langue et de
la civilisation japonaises sous lʼégide de la Fondation de France et de lʼOnda
En collaboration avec Nishi-Sugamo Arts Factory, Suitengu Pit, Kyoto Art Center, Artist in Studio Program
Spectacle créé le 17 mars 2016 au Kyoto Experiment 2016
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En parallèle avec le spectacle Time's Journey Through a Room, le T2G accueille les tables rondes citoyennes
Les enjeux du climat et les solutions pour y faire face
Les possibles, les limites
[Samedi 24 septembre 2016 de 14h à 18h - Entrée libre]
Intervenants : Jean Jouzel (climatologue, GIEC), Philippe Descola (anthropologue, EHESS), l'ambassadeur de NégaWatt, Thomas Pellerin-
Carlin (institut J. Delors), Arthur Keller (Nouvelle Donne), Cyril Jarny (Enercoop)
et sous réserve, Philippe Lamberts (député européen), Alain Grandjean (Carbone 4), Nicolas Haeringer (350.org)!
Modérateur : François Marot
1ère séquence : Changements climatiques : la situation, les enjeux, notre rapport au monde
Pause et échanges libres autour du bar
2e séquence : Transition écologique : comment faire évoluer le système énergétique, le système agricole, les transports, le bâtiment,
l'industrie ?!
Les limites de la transition ; croissance verte et réduction de la consommation dʼénergie ?
3e séquence : Les leviers de financement de la transition écologique!
Signal-prix carbone, investissements massifs fléchés sur les projets verts et les énergies renouvelables!
Les stratégies différenciées de la transition au Nord, au Sud
Conclusion commune : sur quoi sommes-nous dʼaccord ?
!Poursuite des échanges libres
Les bibliothèques de Gennevilliers s'associent à cet événement avec une mise en avant d'ouvrages sur les problématiques abordées.

Timeʼs Journey Through a Room
Dans un huis clos hypnotique, Toshiki Okada interroge lʼimpact sur la
société japonaise de la catastrophe de Fukushima. Mêlant avec beaucoup de
subtilité plusieurs temporalités, le spectacle confronte trois personnages
dans une évocation bouleversante des suites du tremblement de terre.
Le séisme de 2011 au Japon suivi du tsunami et de lʼaccident nucléaire de
Fukushima ont marqué un tournant décisif dans lʼécriture de Toshiki Okada. Après
sʼen être détourné pendant des années, ce dramaturge et metteur en scène a
renoué avec la tradition ancestrale japonaise qui consiste à confronter les vivants et
les morts. Face à la catastrophe, son théâtre sʼest radicalisé jusquʼà sʼinterroger sur
la viabilité même dʼun pays comme le Japon. Question dont Ground and Floor, créé
en 2013, se faisait notamment lʼécho. Avec le recul des années, Toshiki Okada se
souvient aussi dʼavoir éprouvé juste après le tremblement de terre le sentiment
puissant quʼaprès un tel événement rien ne pourrait jamais plus être comme avant.
Soudain il y avait de fortes raisons dʼespérer quʼenfin le pays allait affronter de face
ses problèmes et réaliser des changements qui nʼauraient pas été possibles en
dʼautres circonstances. Cet espoir paradoxal partagé par de nombreux Japonais à
lʼépoque est au cœur de Timeʼs Journey Through a Room. Comme souvent dans
son théâtre Toshiki Okada ne traite pas la question de façon frontale. Au contraire il
enregistre, un peu à la façon dʼun sismographe, la répercussion de la catastrophe
sur trois personnages, deux femmes et un homme, pour cerner au plus intime le
drame dans sa dimension humaine. Tressant ensemble plusieurs temporalités, il
fait coexister vivants et morts entretenant la lueur ardente dʼun espoir intact en
lʼavenir dʼautant plus paradoxal quʼil lui reste plus que jamais à se confronter à la
réalité.

Entretien avec Toshiki Okada
Votre esthétique a déjà été très remarquée en Europe,
pour sa finesse textuelle mêlée dʼun langage familier,
notamment celui de la jeune génération japonaise,
pour votre travail sur des mouvements amplifiés en
décalage avec la parole, enfin pour vos environne-
ments sonores très audacieux, criblés de noises, de
parasites. Comment cette dernière pièce sʼinscrit-elle
dans la généalogie de cette recherche ? En quoi est-
elle dans sa continuité ? En quoi sʼen démarque-t-
elle ?
Toshiki Okada : Il est difficile d'analyser tout cela
précisément par moi-même... Comme vous l'avez dit, ma
façon d'utiliser la langue japonaise familière est considérée
comme l'une de mes grandes caractéristiques. Mais je le
fais de moins en moins ces derniers temps. Je ne sais pas
pourquoi. Tout ce que je peux dire est que je nʼen ressens
plus autant la nécessité.
Peut-on considérer Timeʼs Journey… comme une suite
de Ground and Floor ?
Oui, je serais heureux que les spectateurs voient cette
pièce comme une nouvelle étape après Ground and Floor,
tout en observant les différences entre les deux pièces.
Vous avez imaginé une figure de fantôme sur scène,
vous lʼaviez déjà fait dans Ground and Floor. Quel est
cette fois-ci le rôle du fantôme ? Ce recours aux
esprits des morts provoque-t-il selon vous une
puissance particulière ? Laquelle ? Croyez-vous aux
fantômes ?
Je n'ai pas la capacité de voir des fantômes dans la vie
quotidienne… Mais je peux dire que je crois aux fantômes
parce que jʼhésiterais à me joindre à quelqu'un qui me
dirait : « Hey, tu viens, on va aller voir sʼil y a des fantômes
au cimetière ». En effet, jʼai déjà mis un personnage de
fantôme sur scène dans Ground and Floor. Mais ils nʼont
pas la même fonction dans lʼune et lʼautre pièce. Les
raisons et les modalités du conflit entre les vivants et les
morts sont différentes. Dans Ground and Floor, cʼétait un
violent combat. Ici, dans Timeʼs Journey, la relation entre
les disparus et les vivants est douce et romantique, tout en
étant malgré tout très dure.
Y a-t-il là une référence au théâtre Nô ?
Je pense être influencé par le théâtre Nô en ce moment.
Dans Ground and Floor, cʼétait visible dans le concept du
plateau. Cette fois-ci, cʼest le texte qui est influencé par le
Nô.
Dans cette pièce, vous attirez lʼattention du spectateur
sur lʼinfime, lʼinfiniment petit. Donner la parole aux
univers intérieurs les plus enfouis, faire deviner ces
fissures et conflits intimes en dirigeant le regard vers
le moindre frémissement, nʼétait-ce pas là un véritable
défi pour vous, en tant que dramaturge de
représentations d'un monde allégorique ?
Vous touchez ici l'essence même du texte de cette pièce.
En fait, nous nʼavons craint de ne pouvoir réaliser ce que le
texte exigeait quʼau tout début des répétitions. Ensuite, je
nʼai ressenti quasiment aucune difficulté au cours du
processus de création pour relever ce défi, car nous
faisions en sorte que ce que nous voulions réaliser soit
porté par le plateau et sur le plateau, par les acteurs et
Tsuyoshi, qui a travaillé avec nous pendant toute la
période de répétitions.
Cette collaboration avec l'artiste sonore et sculpteur
Tsuyoshi Hisakado a permis, via une extension des
mouvements corporels par le son, de « zoomer » sur
des mouvements qui, sans cela, seraient passés
inaperçus. Comment avez-vous travaillé ensemble ?
À vrai dire, jʼai imaginé ce concept non seulement avec
Tsuyoshi, mais aussi avec les acteurs. Le concept est
cinématique. Ce que ce mot recouvre dans ce projet, cʼest
que le cadre, la focale vous permet dʼobserver une nature
ou un objet et est capable dʼexprimer un certain état
émotionnel du personnage à la place du comédien.
Tsuyoshi a su mettre en œuvre cette idée immédiatement.
À partir de là, nous avons répété tant de fois chaque scène
que nous avons fini par trouver des solutions pour chaque
partie de la pièce.
Il y a aussi beaucoup de bruits enregistrés sur le
terrain : est-ce une façon dʼimporter la réalité du
dehors au dedans de lʼespace abstrait du théâtre ?
Cʼest effectivement lʼun des enjeux, mais ce nʼest pas le
seul. Le théâtre est un endroit parfait pour se concentrer
sur la performance. Il exclut les bruits du dehors pour
réunir ces conditions de possibilité. Cʼest tout à la fois
problématique et intéressant. Pourquoi allons-nous au
théâtre ? Lʼune des raisons est de pouvoir porter un regard
sur notre propre vie ou notre société grâce à cela.
Autrement dit, il sʼagit de contempler notre société ou notre
propre vie dans un endroit isolé de cette société elle-
même, parce que les bruits quʼelle produit sont
perturbants. Tsuyoshi et moi avons bâti ce concept en
recherchant les possibilités de tirer parti et de résoudre
cette problématique, en donnant à entendre dans de
bonnes conditions des sons enregistrés sur le terrain.
Timeʼs Journey… retrouve dʼailleurs beaucoup de
couleurs de lʼart contemporain. La pièce se rapproche
de lʼinstallation plastique, sonore et performative.
Était-ce une volonté dès le départ ?
Le premier concept de cette pièce était de faire quelque
chose avec du son plutôt qu'avec de la musique,
notamment parce que j'étais satisfait de mon travail
précédent Ground et Floor avec le magnifique groupe de
musique Sangatsu. J'ai pensé quʼà cet endroit, rien n'avait
été laissé au hasard, tout avait été défriché. Mon nouveau
défi était donc de travailler avec le son. Nous avons par
conséquent entamé des recherches pour trouver un
collaborateur dans ce champ et nous avons rencontré
Tsuyoshi Hisakado, qui réalise des installations qui
synchronisent objets et son. J'aurais sans doute pu créer
quelque chose d'intéressant sur l'interrelation son / acteurs
avec dʼautres collaborateurs. Mais, grâce à la participation
de Tsuyoshi à ce projet, nous avons réussi dʼintéressantes
intéractions entre les actions, les événements, les objets et
les sons.
Quelles envies sont nées de cette nouvelle expérience ?
Chaque fois que je pense que nous avons fait quelque
chose de très bien, je mʼempresse de faire des choses
opposées. De nouveau, c'est ce qui m'arrive avec ce
travail. La prochaine fois, je compte faire quelque chose de
drôle, déliée, étrange, détendue. Voici le nouveau désir né
de l'expérience de cette création.
… / …

Cette année, le Festival dʼAutomne à Paris a également
invité les metteurs en scène Oriza Hirata, Kurô Tanino
et Yudai Kamisato. Voyez-vous des liens de parenté
entre vos travaux, voire une filiation entre les quatre
générations de lʼavant-garde que vous représentez ?
Je pense que le Festival d'Automne à Paris fait cette
année un geste important en proposant ces quatre saveurs
différentes du théâtre contemporain japonais. En ce qui me
concerne, je peux dire que je suis une sorte de successeur
du style de Monsieur Hirata. Je suis donc très à l'aise
quand jʼentends dire que je suis l'un de ses fils artistiques.
Il y a un lien si fort entre Hirata et moi… Mais je ne peux
pas dire qu'il y ait quelque point commun à souligner entre
ces quatre démarches artistiques. Et je pense dʼailleurs
que c'est une très bonne chose. Kurô Tanino et moi
appartenons à la même génération, mais sommes
absolument différents. Simplement, j'admire toujours
l'intemporalité qu'il y a dans ses œuvres. A contrario, mes
pièces sont « opportunes », au sens de « dans le temps »,
dans la plupart des cas. Je pense que c'est là un contraste
qu'il est pertinent de donner en partage. Yudai est un
artiste talentueux appartenant à une plus jeune génération
que nous. Sʼil a dans ses débuts pris la succession de ce
que je faisais, ce n'est plus le cas désormais. Je pense
qu'il a trouvé sa voie à lui, aussi bien dans les sujets que
dans l'esthétique. Je suis convaincu que le public parisien
prendra beaucoup de plaisir dans cette première rencontre
avec le théâtre de Yudai Kamisato.
Propos recueillis par Mélanie Drouère
pour le Festival dʼAutomne à Paris. Avril 2016.
Toshiki Okada (1973)
Entre théâtre et danse, naturalisme et abstraction, les spectacles d'Okada cultivent l'art du décalage du geste et de la parole.
Répliques désarticulées, écrites dans l'argot japonais parlé aujourd'hui dans la région de Tokyo, doublées d'un langage gestuel
quasi chorégraphique qui reproduit les mouvements de la jeunesse japonaise.
À travers ces corps empesés, contraints, et en même temps étonnamment diserts, Okada chorégraphie le quotidien. Mettant en
scène un temps suspendu, vertigineusement ancré dans l'actualité, il fait du temps de la scène une extension du présent,
comme il fait de la danse un prolongement du corps de l'acteur, un stigmate de la parole avant toute profération.
Depuis 1997, il écrit et met en scène toutes les productions de la compagnie de théâtre chelfitsch, dont il est le fondateur. En
2005, son spectacle Five Days in March remporte le prestigieux prix théâtral Kishida Kunio. Cette même année, Okada participe
au concours de chorégraphie Toyota Choreography Award avec Air Conditioner (Cooler), et recueille beaucoup dʼattention. Son
livre composé de deux nouvelles, The End of the Special Time We Were Allowed (Shinchosha, Tokyo) est publié en février
2007 et remporte lʼannée suivante le prix Oe Kenzaburo. En 2013, il publie son premier ouvrage de théâtrologie (Kawade Shbo
Shinsha, Tokyo). Toshiki Okada a été à plusieurs reprises lʼhôte du Kunstenfestivaldesarts avec, entre autres, la première
mondiale de Ground and Floor en 2013. Il a récemment été invité par le Münchner Kammerspiele à présenter son travail dans
un programme de répertoire, pour trois saisons à partir de 2016.
Toshiki Okada au T2G
2008: Five Days in March
2010: Hot Pepper, Air Conditioner, and the Farewell Speech
2010: We Are the Undamaged Others
2013: Current Location