2014- 2015 [histoire approfondie de la musique]

20142015
Conservatoire Royal
Musique de Liège
de
Michel Fourgon
[HISTOIRE APPROFONDIE DE LA
MUSIQUE]
MASTER 1 Criquillion Laurence
TABLE DES MATIÈRES
1.
Contexte historique de l’après seconde guerre mondiale.......................................................................................... 4
2.
La Musique en Allemagne ........................................................................................................................................... 4
3.
4.
2.1.
Karlheinz Stockhausen (1928 – Cologne – 2007) .............................................................................................. 4
2.2.
Bernd-Aloïs Zimmermann (1918 – Cologne – 1970) ......................................................................................... 7
2.3.
Mauricio Kagel (1931 Buenos Aires – 2008 Cologne)........................................................................................ 7
2.4.
Helmut Lachenmann (1935 Stuttgart) .............................................................................................................. 8
2.5.
Wolfgang Rihm (1952 Karlsruhe) ...................................................................................................................... 8
La Musique aux États-Unis .......................................................................................................................................... 9
3.1.
John Cage (1912 Los Angeles – 1992 New York) ............................................................................................... 9
3.2.
Steve Reich (1936 New York) .......................................................................................................................... 11
3.3.
Philip Glass (1937 Baltimore) .......................................................................................................................... 11
3.4.
Mortom Feldman (1926 – New York – 1987) .................................................................................................. 12
3.5.
Elliott Carter (1908 – New York – 2012) .......................................................................................................... 12
3.6.
Leonard Bernstein (1918 Lawrence – 1990) ................................................................................................... 12
La musique en Belgique ............................................................................................................................................ 13
4.1.
Henri Pousseur (1929 Malmédy – 2009 Waterloo) ......................................................................................... 13
Biographie ..................................................................................................................................................................... 13
Investissement pédagogique .................................................................................................................................... 13
4.2.
Philippe Boesmans (1936 Tongeren)............................................................................................................... 14
4.3.
Pierre Bartholomée (1937 Bruxelles) .............................................................................................................. 14
4.4.
Frederic Rzewski (1938 USA) ........................................................................................................................... 15
4.5.
Karel Goeyvaerts (1923 – Antwerpen – 1993) ................................................................................................ 15
4.6.
Luc Brewaeys (1959 Mortsel) .......................................................................................................................... 15
Parcours des extraits musicaux ........................................................................................................................................ 16
Stockhausen .............................................................................................................................................................. 16
Bernd-Aloïs Zimmerman ........................................................................................................................................... 16
Helmut Lachenmann ................................................................................................................................................. 16
Wolfgang Rihm ......................................................................................................................................................... 16
John Cage .................................................................................................................................................................. 16
Steve Reich................................................................................................................................................................ 16
Philip Glass ................................................................................................................................................................ 16
Mortom Feldman ...................................................................................................................................................... 16
Elliott Carter .............................................................................................................................................................. 16
Leonard Bernstein..................................................................................................................................................... 16
2
Henri Pousseur.......................................................................................................................................................... 16
Philippe Boesmans .................................................................................................................................................... 16
Pierre Bartholomée .................................................................................................................................................. 17
Frederic Rzewski ....................................................................................................................................................... 17
Karel Goeyvaerts ....................................................................................................................................................... 17
Luc Brewaeys ............................................................................................................................................................ 17
Bibliographie ..................................................................................................................................................................... 18
3
HISTOIRE DE LA MUSIQUE
De l'après seconde guerre à aujourd'hui
1. CONTEXTE HISTORIQUE DE L’APRÈS SECONDE GUERRE MONDIALE
Le 8 mai 1945, on signe l’armistice. Cette guerre a des répercutions dans le domaine des arts. L'un des événements les
plus marquants est l'apparition de la musique sérielle généralisée, dite également série généralisée, où l'on cherche à
faire de la musique autrement. Mais 1945 marque également le début de la guerre froide… La dictature s'installe dans
beaucoup de pays tels que la Chine, l'U.R.S.S., la Corée du Nord, la Roumanie, etc. Cela a bien entendu un impact sur
les domaines artistiques car avant la chute du mur de Berlin, les compositeurs, surtout en Allemagne de l’Est, devaient
écrire ce que le régime en place imposait. C'est ainsi que bon nombre d'entre eux ce sont mis à composer de la musique religieuse ; c'est qui était interdit !
En France, plusieurs révolutions ont lieu : Debussy introduit la modalité, Edgard Varèse se coupe de la tonalité, Igor
Stravinsky développe un langage rythmique et qui sera extrêmement imité. Mais également, Scriabine qui est l'un des
premiers à rompre avec la tonalité, bien que comme Varèse, il ait écrit de la musique tonale et Bartók fort penché sur
l'aspect rythmique, comme Stravinsky, mais dont la musique est censurée.
Plus tard, arrivera Messiaen….
Quant à la seconde école de Vienne, la musique de Schoenberg, méconnu de son vivant, aura un réel impact lors de la
seconde moitié du XXe siècle. Il remet complètement en question le système tonal en inventant le système dodécaphonique. En revanche, son langage rythmique est quasi l'équivalent de celui de Brahms. A contrario de Schoenberg
qui travaille avec des thèmes, Webern n'utilise plus la série comme un thème mais plutôt comme un réservoir d'intervalles, de motifs.
2. LA MUSIQUE EN ALLEMAGNE
En 1946, un certain Steinecke fonde le festival de Darmstadt, lieu qui permit tout d’abord de faire le point sur la seconde école de Vienne mais aussi pour se rendre compte des nouvelles tendances musicales qui surviennent après la
guerre. On y fait des master-classes, des conférences, des créations,… Les compositeurs qui y participent sont presque
tous issus du courant la série généralisée dont Karlheinz Stockhausen, Pierre Boulez, Luciano Berio, Luigi Nono, Bruno
Maderna, Henry Pousseur, Karel Goyvaerts (ayant influencé Stockhausen) mais également John Cage qui est venu
plusieurs fois faire des conférences.
2.1.
KARLHEINZ STOCKHAUSEN (1928 – COLOGNE – 2007)
Il s'agit d'un jeune garçon durant la guerre dont la mère est dépressive et le père est un militaire mort au front. Il faut
savoir que l'on internait les dépressifs dans des hôpitaux. Dès lors, pour subvenir à ses besoins, il se produit dans des
boîtes allemandes en tant que pianiste de jazz. Il a étudié la musicologie et la philosophie à l'université de Cologne et
la composition au Conservatoire de Paris dans la classe d'Olivier Messiaen mais travaille en privé avec un compositeur
suisse du nom de Franck Martin. Il a suivi les cours de l'école de Darmstadt et y deviendra professeur dès 1953.
Il participe au mouvement de la musique concrète dont le pionner est Pierre Schaeffer. C'est l'une des premières formes sur support (notamment enregistreur) et il s'agit d'enregistrer des sons existant dans la nature puis de les manipuler (ralentir la bande, l'accélère, l'inverser, etc.) Cela a pour impact que Stockhausen sera l'un des premiers compositeurs à créer de la musique électronique. Celle-ci génère des sons grâce à un générateur de fréquences qui produit
des ondes sinusoïdales, triangulaires, carrées et rectangulaires. A partir des années '60, cette différence n'a plus sa
raison d'être car l'on confond les deux.
Ses premières compositions sont écrites dans le système de la série généralisée et sérialise tous les paramètres du son
et pas que les hauteurs. Il s'agit d'une volonté d'aller à l'encontre du romantisme ; on fait fit des états d'âmes, des
affects,… Stockhausen veut construire un langage musical presque scientifique.
4
Exemple :
1°) On construit une série de six sons. En effet, on ne se limite plus à la musique dodécaphonique dont la série comco
prend obligatoirement douze sons.
2°) On effectue une sérialisation sur le rythme, les nuances, l'accentuation et la densité par rapport à chaque de ces
notes. Ces éléments apparaîtront toujours
jours de cette manière :
On peut également ajouter des harmonies dont on peut choisir l'ordre. Il ne s'agit plus de musique tonale où les aca
cords sont hiérarchisés ! L'ordre n'a donc que peu d'importance.
♫ Gesang der Jünglinge (1956) ou le Chant des adolescents
ad
pour bande seule
Pièce électronique assez célèbre, que l'on qualifierait aujourd'hui d'acousmatique1.
d'acousmatique . C'est la première fois qu'il mélange des sons concrets,
ts, soit l'enregistrement de la voix d'un jeune garçon, et l'électronique, soit des sons artificiels.
♫ Gruppen (1957)) pour 3 orchestres symphoniques et guitare électrique
électri
L'une de ses œuvres la plus célèbre créée par Stockhausen,
Stoc hausen, Pierre Boulez et Maderna. En effet, chaque orchestre est
dirigé par un chef, plus ou moins orchestrés
orche trés de la même manière et l'ensemble est constitué de 109 exécutants dont
voici la disposition :
Les quatre paramètres du son sont :
→ la hauteur
→ la durée
→ l'intensité
→ le timbre
forcé
émis par quelque
Il ajoute, ici, un cinquième paramètre : celui de la spatialisation. Il conçoit que le son est forcément
part.
Stockhausen s'est toujours comporté en chercheur
chercheur et tente à chaque fois, d'écrire quelque chose de nouveau.
no
Ses
pièces ne se ressemblent pas et elles sont toutes un enjeu de un à plusieurs paramètres précis.
1 « François Bayle introduit l'expression musique acousmatique pour désigner une musique qui « se tourne, se
développe en studio, se projette en salle, comme le cinéma ». Il s'agit donc de compositions
sitions réalisées sur un supsu
port matériel (bande magnétique ou autre, analogique ou numérique), comme le cinéma
ciném l'est sur une pellicule, et
destinées à être diffusées (projetées) par un orchestre de haut-parleurs,
haut parleurs, sans participation instrumentale ou vocale
en temps réel » Extrait du dictionnaire
ctionnaire des arts médiatiques
5
♫ Klavierstücke n°11 (1957)
Série de 19 pièces pour piano seul dans le style sériel généralisé dans lesquelles Stockhausen intègre l’élément du
hasard. En effet, celle-ci est constituée de 19 séquences numérotées de 1 à 19 dont il laisse le libre choix à l'interprète
quant à l'ordre de ces dernières.
John Cage introduit beaucoup l'aléatoire dans son œuvre et influence beaucoup de compositeurs européens dont
Boulez, Stockhausen et Pousseur. A contrario des Italiens qui l'ont complètement rejeté.
♫ Momente (1962) pour soprano solo, 4 chœurs et 13 instruments
L'expérience est de construire une momentform, une forme momentanée.
« Elle n'a ni début, ni développement, ni fin déterminés. Elle se compose de différents moments qui peuvent être plus ou moins longs et caractérisés par un ou
plusieurs paramètres musicaux. »2
On est complètement en dehors de la forme romantique ! De plus, chacun de ces moments sont des identités tout à
fait personnelles qui ne sont pas liées les unes aux autres. Le concept de momentform est né de la difficulté de
concentration qu'éprouvent les auditeurs à écouter une œuvre d'une durée importante.
Il fonde ensuite un groupe pour lequel il compose beaucoup d’œuvres électroniques. Ils font des tournées mondiales
et rencontrent beaucoup de succès.
♫ Mixtur (1964) pour orchestre et électronique live
Stockhausen transforme certains sons des instruments de l'orchestre par un modulateur en anneaux, appelé Ring
modulator. Nous avons une fréquence interne que l'on peut régler, par exemple à 100 Hz et la seconde externe réglée
à 440 Hz. En les soustrayant et les additionnant, cela donne 340 et 540 Hz que l'on va superposer.
♫ Hymnen (1966-67) pour orchestre et bande magnétique
Il s'agit d'un recueil d'hymnes nationaux très reconnaissables.
♫ Stimmung (1968, = état d'âme, atmosphère, voix ou accordage) pour 6 chanteurs a capella
Il s'agit de l'œuvre pionnière de la musique spectrale de Stockhausen car le matériau harmonique de la pièce est fondé sur les harmoniques naturelles d'un si bémol grave ; il joue sur le spectre physique d'un si bémol. C'est la seule
œuvre écrite dans cette voie. Le compositeur joue également sur le timbre (côté parfois un peu nasiard) comme les
moines tibétains. C'est une manière de chanter qui n'est pas du tout traditionnelle et n'utilise pas de vibrato sauf s'il le
demande. L'idée est d'écouter l'intérieur du son du spectre harmonique. Le texte est écrit par Stockhausen lui-même
et sont des poèmes d'amour et des noms de divinités sont cités. En concert, il intègre des éléments extérieurs à la
pièce comme, par exemple, quelqu'un qui tousse dans la salle. Le rythme est relativement libre – nous sommes dans
un contexte de libération des années '70 – et on dirait de la méditation orientale.
Cette musique n'est plus de la musique sérielle organisée. En effet, il s'éloigne de cette voie et Pousseur sera d'ailleurs
le premier à en sortir. En revanche, Boulez n'en sera jamais sorti.
Il continue à écrire des œuvres expérimentales dans les années '70 dont
o Mentra pour 2 pianistes et ring modulator
o Alfabet für Liège (1972) pour ensemble de comédiens/chanteurs
o Tierkreis (1975-76) son œuvre sans doute la plus célèbre
Cycle de 12 mélodies, chacune dédiée à un signe du zodiaque et en porte son nom, composé dans l'esprit sériel. Tierkreis fait partie d'une plus grande œuvre Musik im Bauch (musique dans le ventre) qui est une pièce de théâtre pour
enfants et Tierkreis est une version boîte à musique qu'il a retirée par la suite.
La partition est peu instrumentée car c'est une œuvre ouverte et les versions sont à chaque fois différentes. Stockhausen demande que chacune des mélodies soient répétées au moins 3 fois et on peut improviser à l'intérieur de cellesci. Elles ont toutes une note polaire, la tonique en quelque sorte, autour de laquelle il tourne. Il y a 12 mélodies, donc
12 notes qui représentent les 12 sons de l'échelle chromatique, ce qui rappelle la musique sérielle.
Dès 1977, Stockhausen se consacre exclusivement à l’écriture d’un opéra Licht (Lumière) et qu’il a planifié sur plus de
vingt années. Il écrit un opéra sur chaque jour la semaine ; ce qui donne donc 7 opéras qui portent le nom du jour
qu’ils interprètent et durent environ 35 heures. Certains disent qu’à cette période de sa vie, il a commence à déconner… Chaque opéra a une configuration qui lui est propre et est non traditionnelle.
♫ Oberlippentanz (1983) pour trompette piccolo solo
(Samedi de Lumière) met en scène le personnage de Lucifer.
2
Définitition proposée par Bruno Bossis & Leonardo/Olats
6
2.2.
BERND-ALOÏS ZIMMERMANN (1918 – COLOGNE – 1970)
Zimmerman a participe aux cours de Darmstadt. Il était dans les plus âges. Avant Darmstadt, il était influencé par le
jazz.
Il a composé plusieurs concertos notamment pour violoncelle, son instrument de prédilection, mais aussi pour hautbois, violon et trompette.
En 1965, il compose l’opéra Die Soldaten, l’une des plus grandes œuvres postmodernes. Le post-modernisme est une
notion très floue. Il s’agit d’un courant esthétique (théâtre, littérature, peinture, musique,…) qui vient après le modernisme qui ne le refuse pas, a contrario du néo-classicisme qui est une attitude réactionnaire, mais essaie de le dépasser en réintégrant des éléments du passé dans le langage. Stravinsky met un peu cela en œuvre. Le post-modernisme
est arrivé dans les années ’60 et Zimmerman est donc l’une des figures de ce courant.
L’utopie de cet opéra est l’attitude pluraliste qui veut la coordination de plusieurs genres artistiques mais n’a pas réussi à tout mélanger. Il aime également mélanger plusieurs styles dans son œuvre (c’est l’une des caractéristiques du
post-modernisme) et le style déviant alors un paramètre d’écriture. C’est une superposition du temps : le passé, le
présent et le futur.
Il crée aussi de la musique électronique dont Requiem pour un jeune poète (1967-69) mais n’est pas dédiée à être
jouée sur scène car il s’agit d’une pièce radiophonique.
♫ Concerto pour violoncelle et orchestre (1968) sous-titré En forme de pas de trois
Le 1er mouvement Introduzione (pour la vallée des songes) d’inspiration sérielle mais qui ne sonne pas comme tel.
Zimmerman applique la micro tonalité : il utilise des échelles non-tempérées en demi-ton (ou des ¼ ou des ¾ de tons).
La musique micro-tonale apparaît dans les années ’20 en Europe occidentale. Les premiers compositeurs sont Aloïs
Haba, Ivan Wichnegradzky, Charles Ives,… alors qu’en fait, on fait de la musique micro-tonale depuis la nuit des temps
en Orient ! L’orchestration est plutôt originale car il insère dans son orchestre symphonique un cymbalum, une mandoline et une guitare électrique. Le 4ème mouvement Tempo di Marcia est clairement une allusion à Stravinsky.
2.3.
MAURICIO KAGEL (1931 BUENOS AIRES – 2008 COLOGNE)
Mauricio Kagel est un compositeur, chef d’orchestre et metteur en scène argentin. Il a d’abord étudié la direction
d’orchestre en Argentine, la littérature et la philosophie. Kagel choisit de s’exiler, s’installe en Allemagne en 1957 et
se fait naturalisé allemand. Au niveau composition, il a une petite période sérielle généralisée à la fin des années ’50
jusqu’au début des années ’60. En 1974, on lui crée le poste de professeur de théâtre musical à la Hochschule für
Musik de Cologne. Le théâtre musical est une forme venue après la guerre dont la pièce précurseur est l’Histoire de
Soldat d’Igor Stravinsky et l’une de ses grandes caractéristiques est de mélanger le théâtre parlé avec la musique. Il
développe tous les aspects scéniques en mettant l’accent sur tous les gestes que l’on fait. Le langage de Kagel devient
dès lors postmoderne.
♫ Ludwig van (1969)
Forme et instrumentation ouvertes et se veut une création collective. La partition est constituée de photos d’une
pièce dans laquelle il y a un piano avec une chaise et dont les murs sont entièrement recouverts de partition de Beethoven. Les musiciens ne peuvent jouer que les partitions qu’ils voient sur les photos. L’œuvre émarge de l’esthétique
postmoderne.
« Sa musique est une forme de commentaire sur elle-même, sortie de point de
vue sur la musique. » Célestin Deliège
♫ Tango allemàn (1977-78) pour voix, violon, bandonéon et piano
D’autres compositions :
o Der Tribun (1979) pour petit ensemble instrumental et un acteur
Kagel a rassemblé une série de discours de dictateurs dont l’acteur lit ces discours et appuie sur un enregistreur
(l’applaudissement des foules, etc.). Le texte est écrit en allemand mais il existe une version traduite en français.
o Rrrrrrr (1981 - 82)
Ensemble d’une quarantaine de pièces pour diverses formations (chœur, vents, percussions, orgue, jazz,…)
o Sankt-Bach passion (1985) pour solistes, chœur et orchestre
La Passion selon Bach suit le même schéma formel que la Passion selon Saint-Matthieu mais raconte, ici, la vie de J.S.
Bach et non celle du Christ.
Mauricio Kagel a également réalisé des films musicaux dont Ludwig van qui a été filmé à Vienne !
7
♫ La Rose des vents (1988 – 94) pour orchestre de salon (Cl, Pno, harmonium, 2 vln, Vla, Ctb et perc) que l’on trouvait à Vienne au début du siècle.
Œuvre composée de 4 mouvements : l’Est, l’Ouest, le Nord et le Sud… mais pense comme un Argentin, l’Est, c’est
donc nous ! Kagel n’enchaîne pas des accords classés de manière tonale. Il utilise donc un vocabulaire tonal mais oublie le rapport de fonction.
2.4.
HELMUT LACHENMANN (1935 STUTTGART)
Helmut Lachenmann étudie le piano, la théorie et la composition à Stuttgart puis poursuit ses études à Venise auprès
de Luigi Non qui aura une forte influence sur lui. Après ses études, il revient en Allemagne et participe au festival de
Darmstadt. Il enseignera à la Musikhochschule de Stuttgart, de Ludwigsburg et sera ensuite nommé professeur à
Hanovre et, enfin, à Stuttgart.
Son esthétique est issue de la musique sérielle généralisée bien qu’il ait développé son univers bien singulier.
Lachenmann s’est très intéressé à la production du son par les instruments comme par exemple, utiliser des instruments traditionnels mais avec l’idée de leur faire produire des sons inouïs, soit les faire jouer de jouer de manière
non-conventionnelle. Il rejette le concept de beauté considérée comme étant une valeur bourgeoise.
« La véritable beauté est le refus de l’habitude. » Helmut Lachenmann
♫ Pression (1969 – 2010) pour violoncelle solo
Il a lui-même testé les sons au préalable et on dirait que la musique est improvisée mais tout est soigneusement écrit.
Lachenmann a également composé un opéra La petite Fille aux allumettes, de la musique de chambre et des œuvres
pour ensembles divers.
2.5.
WOLFGANG RIHM (1952 KARLSRUHE)
Wolfgang Rihm est compositeur et étudie dans un premier temps dans sa ville natale. Après avoir suivi les cours d’été
de Darmstadt, en 1970, il poursuit ses études avec notamment Karlheinz Stockhausen et Klaus Huber. Il enseignera à
son tour la composition à la Musikhochschule de Karlsruhe et de Munich, ainsi qu’aux cours de la Darmstadt.
Rihm est le représentant le plus connu du courant « La Nouvelle Simplicité » créée en 1981. Le courant est né par un
mouvement de compositeurs nés dans les années 1950 et ’60 afin de renouer avec le lyrisme, la mélodie et
l’expressivité et qui refuse l’inexpressivité, l’hyper structuralisme, la novation et la complexité pour elles-mêmes. Leur
position diffère cependant de celle des néo-classiques (dont Arvo Pärt) qu’ils jugent hautement régressive et réactionnaire. Ils ne sont donc absolument pour un retour en arrière mais leur désir et de renouer un contact direct avec
le public. Son courant antinomique est La Nouvelle Complexité, courant apparu dans les années ’80 en Angleterre
dont l’un des précurseurs est Brian Ferneyhough. Elle est la résultante de la musique sérielle généralisée poussée à
l’extrême. Son catalogue d’œuvre compte une centaine de pièces de formes totalement diverses (opéra, orchestre
symphonique, chœur, musique de chambre, etc.)
♫ Départ (1988) pour chœur mixte, chœur parlé et 22 instrumentistes
ème
Ecrit sur un poème le Départ tiré du recueil les Illuminations d’Arthur Rimbaud, célèbre poète français du XIX Siècle.
Départ raconte l’adieu aux rumeurs de la vie et aux visions de l’adolescence. Cette pièce est composée pour les 60 ans
de son professeur Karlheinz Stockhausen.
8
3. LA MUSIQUE AUX ÉTATS-UNIS
3.1.
JOHN CAGE (1912 LOS ANGELES – 1992 NEW YORK)
John Cage est un musicien, peintre, poète, écrivain et l’un des compositeurs les plus influents ayant remis en question
ème
beaucoup de choses. Il a grandement marqué la seconde partie du XX Siècle.
En 1930, il part à Paris pour étudier l’architecture (moderne dont le Bauhaus, gothique, grecque,…) puis s’intéresse à
la musique et à la peinture modernes. Un an plus tard, il retourne en Californie et étudie la composition avec Henry
ème
Cowell, compositeur avant-gardiste du début du XX
Siècle. Entre 1934 et ’37, il continue l’étude de l’analyse, la
composition, l’harmonie et le contrepoint avec Arnold Schoenberg à Los Angeles qui dût s’exiler de l’Allemagne aux
prémices de la guerre déjà marquée par l’antisémitisme. Avant de commencer les cours, Schoenberg dit à Cage qu’il
ne pourrait jamais lui payer ses cours, ce que Cage acquiesça puisqu’il n’en avait pas les moyens. Schoenberg accepta
alors de lui donner cours gratuitement et Cage arrêta la peinture pour se consacrer à la musique. Ses premières pièces
seront sérielles car il apprend l’écriture dodécaphonique avec son maître. Après deux ans, Cage se rend compte qu’il
n’a que peu de feeling avec l’harmonie alors que Schoenberg, nous explique Cage, prétend que l’harmonie n’est pas
juste une couleur mais a surtout un sens structurel ; c’est ce qui va distinguer une partie à une autre au sein d’une
même pièce. Il lui dit alors que, selon lui, Cage n’arriverait jamais à écrire de la musique car cela signifie se taper la
tête contre un mur. Plus tard, il fonde un ensemble de percussions et écrit pour celui-ci. De 1938 à 1940, Cage travaille
pour la Cornish School of Seattle et y rencontre un danseur, Merce Cunningham qui deviendra son partenaire de vie
ainsi que son collaborateur. Cunningham a beaucoup lutté contre les traditions de la danse en introduisant, notamment, beaucoup d’improvisation. Ils ont collaboré ensemble lors d’une production avec un peintre Rauschberg. C’est
durant cette période qu’il va inventer son fameux piano préparé, se souvenant des expériences de son professeur
Cowell et son string-piano : il s’agit de loger des corps étrangers entre les cordes du piano dont il fait toujours de notices très méticuleuses ! Cela donne un côté plus percussif et modifie les sonorités du piano.
♫ Imaginary landscape N°1 (1939) pour 2 électrophones, piano et cymbales
Il s’agit de la toute première pièce mixte de l’histoire mélangeant des instruments acoustiques et l’électronique ! Cage
a enregistré à l’aide de ses électrophones (constitués de 2 boutons pour le déroulement de la bande sonore) des ondes sinusoïdales dont il contrôle les fréquences. Le piano joue 3 notes ; il minimalise les matériaux. En effet, Cage est
3
le précurseur du minimalisme américain .
En 1940, Cage va créer sa Bacchanale avec son ensemble de percussions pour la Cornish School mais arrivés dans la
salle de concert, cette dernière se révélée trop petite pour accueillir l’ensemble au complet. C’est alors qu’il eut l’idée
de créer la pièce pour piano préparé ! En 1948, il termine ses 20 sonates et interludes, fruit d’une longue exploration
du piano préparé.
♫ Sonate N°5 pour piano préparé
En 1948, il entame une collaboration avec David Tudor, célèbre pianiste et compositeur américain qui a créé les pièces
de Stockhausen, Boulez, Cage. Un an plus tard, il retourne à Paris et y rencontre Olivier Messiaen, Pierre Boulez, le
ténor de la musique sérielle généralisée et Pierre Schaeffer, l’inventeur de la musique concrète.
Au début des années ’50, il étudie la musique d’Érik Satie (musique répétitive et conceptuelle), aime la musique de
Webern et s’initie à la philosophie orientale, le « Zen Buddhism » dont son maître est Suzuki Daisetz.
♫ Imaginary Landscape N°4 (1951)
L’expérience est de rassembler 12 postes radio et 24 personnes ; 2 personnes/radio dont l’une actionne le volume et
l’autre actionne la fréquence. La partition est écrite de manière graphique. Cette musique est conceptuelle et totalement aléatoire car dépend du lieu et du moment où la pièce est montée !
C’est au cours de la même année qu’il compose son concerto pour piano préparé et orchestre de chambre. Cage fait
également la rencontre déterminante de Marcel Duchamp dont il leur arrivait d’ailleurs de jouer aux échecs ensemble…
♫ Music for Marcel Duchamp (1951) pour piano préparé
C’est de la musique minimaliste, presque répétitive et dite conceptuelle, qui ne cherche pas à exprimer quelconque
affect, où on bannit toute tension. C’est une pensée typiquement américaine.
En 1952, il fonde avec Christian Wolff et d’autres « l’école de New-York ». Il rencontre alors beaucoup de peintres
dont les surréalistes Marx Ernst, Mondrian, Jones (Pop’art). Christian Wolff lui offre le I-Ching, l’un des plus vieux textes chinois, et en tire un bon nombre de pièces. Sa méthode de composer devint alors impersonnelle ; il élimine l’égo,
la pulsion du compositeur bien que l’exécution soit parfaitement déterminée et la partition bien écrite !
3
C’est Edgard Varèse (1883 – 1965) qui inventa Déserts (1954), la toute première pièce pour bande magnétique et
orchestre !
9
♫ Music of changes (1951) pour piano
Première pièce du I-Ching, créée par Tudor. On n’est pas très loin de la musique sérielle car Cage a déterminé les hauteurs, les durées et les intensités,…
♫ 4’33 (1952)
Est écrite en 3 mouvements enchaînés. Le musicien doit tourner la page et faire « tacet »… L’idée est que les sons qui
se trouvent dans la nature sont de la musique et qu’il suffit de les écouter. Le titre est en fait le minutage. Cage désire
que l’on fasse le vide, plus que le silence et écouter ce qui se passe autour de nous. Tudor a fait la création de 4’33.
Il crée aussi, lors de la même année, un groupe Project of music for magnetic où ils ne font que de la musique électronique. Rappelons que le rock apparaît 3 ans plus tard…
En 1953, il devient directeur musical de la Cunningham company et marquera une longue collaboration entre eux sans
aucune subordination des deux domaines. Ils font la production d’un spectacle « theatrel piece ». C’est leur premier
Happening. Le collectif met en scène le danseur Merce Cunningham, une exposition de peintures de Rauschenberg, la
lecture des poèmes de Charles Olsen, le pianiste David Tudor, la lecture de textes comprenant le silence de Cage mais
invite également le public à être acteur de l’événement.
Aujourd’hui, le groupe FLUXUS organise encore ce genre de happening un peu partout dans le monde.
Cage participe en 1958 aux cours de Darmstadt et fait une conférence « Composition and process » et sa musique
devient indéterminée, introduit le hasard (influencé par le Bouddhisme Zen), l’aléatoire,… C’est presque de l’art multimédia ou environnemental. Par exemple, il utilise des dès, des pièces de monnaie (pile ou face), des cartes astronomiques,… Bref, toutes ces inventions pour introduire l’aléatoire. Cela aura pour conséquence que les compositeurs
commencent à écrire des formes ouvertes !
♫ Music for amplifyedtoys piano (1960) pour piano jouets
Il écrit un ensemble de pièce qui comporte le titre de Music for … (le reste du titre est déterminé par le nombre
d’instrumentistes pour chacune des pièces) en 1984 et revisite en 1987.
♫ Music for two (1987) forme ouverte pour 2 instrumentistes
Cage a écrit une seule partition pour tous les instruments de l’orchestre laissant le libre choix pour la combinaison. Il
l’a également voulu dans l’esprit minimaliste, ce pourquoi il utilise des matériaux restreints qui se comptent au nombre de 4 :
un son « électronique » réalisé grâce au frottement des cordes du piano à l’aide d’un archet ;
des suites d’accords verticaux ;
des notes isolées qui peuvent former une mélodie ou non ;
le silence.
♫ Three dances (1945) pour 2 pianos préparés
Cage prévoit que l’on puisse superposer plusieurs pièces (au sein d’un même ensemble) voire plusieurs œuvres en
même temps.
10
3.2.
STEVE REICH (1936 NEW YORK)
L’un des plus célèbres compositeurs américains mais assez décrié en Europe. Steve Reich est le père de la musique
répétitive.. Sa musique va rencontrer un grand succès et sera très imitée. Ses influences de jeunesse sont Stravinsky,
Bartók, Webern (qui a influencé beaucoup
coup de minimalistes d’ailleurs) mais aussi les musiques
mus ques populaires telles que le
jazz, le rock, les musiques africaines, balinaises,… Reich est juif et au fur et à mesure des années, sa culture va prendre
beaucoup d’importance dans sa production.
ction.
Il a étudié la philosophie, les percussions à la Julliard School, la composition à la Mills College
ollege avec Darius Milhaud et
Luciano Berio.
En 1964, Reich participe et collabore à l’exécution d’In
d’ C de Terry Riley que l’on considère un peu comme étant la
première pièce répétitive occidentale. C’est un véritable déclic pour Reich qui entre, dès lors, dans le courant minimaminim
liste.
♫ In C (1935) est une forme ouverte et dont l’instrumentation n’est pas définie. La partition est constituée de 53
petites formules mélodiques non harmonisées que les musiciens doivent répéter dans l’ordre donné par Riley. Il y a
une constante durant toute la pièce, c’est un do aigu répété par un piano ou une percussion à clavier sur une pulsapuls
tion régulière (♪).. En tout, la pièce doit durer entre 30 et 40 minutes.
♫ It’s gonna rain (1965) pour bande magnétique
Il s’agit de la première pièce de Reich et utilise le principe
pri
de
déphasage : on enregistre quelque chose et on en fait une
boucle, des loupes. Il fait tourner les bandes
ba
et ralentit ou
augmente la vitesse de l’une, se déphasent, se rephasent,
reph
etc.
Cette technique a été mise au point par Reich et se base sur le
même principe que le canon. Reich a enregistré
enr
le sermon d’un
prêtre noir, en pleine révolution des noirs – nous sommes à la
même période que Martin
tin Luther King. L’œuvre se veut, par la
même occasion, politique.
Come out est une autre œuvre pour bande magnétique.
magnét
BANDE MAGNÉTIQUE
♫ Piano face (1967) pour 2 pianos
Ici, le déphasage s’applique
plique sur des instruments qui se décalent d’une
et tout est écrit ! C’est la première pièce
instrumentale de Reich.
Four organs est écrit pour 4 orgues et maracas qui applique le même principe de déphasage.
Au début des années ’70, Reich fonde le « Steve Reich and musicians » et feront de nouvelles expérimentations.
expériment
Il y
joue régulièrement du piano ou des percussions.
percu sions. Le groupe rencontrera beaucoup de succès aux États-Unis
États
puis en
Europe bien qu’il y soit controversé,, comme Boulez par exemple qui persiste à croire que c’est de la musique pour
dégénérés… Les célèbres répétitifs américains sont Riley, Reich et Adams tandis que nous avons Louis Andriessen (H)
et Nymann Michaël (GB).
3.3.
PHILIP GLASS (1937 BALTIMORE)
Philip Glass a été à l’University of Chicago et à la Julliard
liard school avec Darius Milhaud. Il est ensuite parti étudier en
Europe avec Nadia Boulanger qui donnait cours au conservatoire américain de Fontainebleau. En 1966, il s’installe à
Paris pendant deux ans où il va travailler de manière étroite avec
ave Ravi Shankar, compositeur
positeur indien et virtuose du
sitar. Il retourne à New York en ’67 où il fondera également le Philip Glass Ensemble. 9 ans plus tard, il compose Einstein on the beach, opéra en 4 actes pour solistes, chœur et ensemble.
e
C’est à partir de là qu’il devient célèbre. Il utilise des processus de progression additive (1 / 1+2 / 1+2+3+ / etc.)
♫ Symphonie N°4 « Heroes » (1996)
Glass s’est inspiré du travail de David Bowie et Brian Eno qui, à la fin des années ’70, était très influencé par les musimus
ques du monde, expérimentale, le rock’n’roll.
rock’n’r Elle comporte 6 mouvements.
♫ Concerto pour violon (1987)
11
3.4.
MORTOM FELDMAN (1926 – NEW YORK – 1987)
Mortom Feldman, juif d’origine ukrainienne, étudie la composition avec Stefan Wolpe, un compositeur allemand
ayant dû fuir le Reich, qui le met sans trop tarder en relation avec Edgard Varèse. On dit également que son travail
réside entre la musique et la peinture car il réalisait notamment quelques partitions graphiques avec ses Projections.
John Cage, Christian Wolff, Earle Brown, David Tudor et Feldman forment ce que l’on a peut être hâtivement nommé
la New York School. Feldman n’est pas un compositeur sériel mais plutôt minimaliste, sans être répétitif. Sa musique
est extrêmement dénudée avec beaucoup de nuances piano, de silences,… Il est également influencé par la philosophie orientale, tout comme Cage tiens,…
♫ Piano three hands (1957) pour 2 pianistes
3.5.
ELLIOTT CARTER (1908 – NEW YORK – 2012)
Elliott Carter a étudié à l’University of Harvard puis a séjourné à Paris pour étudier avec Nadia Boulanger. Ses premières œuvres sont du style néoclassique, un peu dans la veine de Paul Hindemith mais va ensuite découvrir la musique
sérielle et va alors chercher une certaine densité aux niveaux harmonique et rythmique, un peu comme Boulez.
♫ Mozaic (2005) pour harpe, violon, alto, violoncelle, contrebasse, flûte, hautbois et clarinette basse
3.6.
LEONARD BERNSTEIN (1918 LAWRENCE – 1990)
Leonard Bernstein est pianiste, compositeur et chef d’orchestre américain. Il a étudié à l’University of Harvard. En
1940, il participe à des cours d’été organisés par le Boston Symphony Orchestra où il rencontre Serge Koussevitzky et
deviendra son assistant en direction l’année suivante. Koussevitzky est compositeur et chef d’orchestre russe important ayant commencé sa carrière comme contrebassiste à la Philharmonie de Berlin puis fonde son orchestre à Moscou avec lequel il fait des tournées à l’étranger. C’est après qu’il immigre aux USA et est nommé directeur musical du
Boston Symphony Orchestra. Il fondera également Koussevitzky Music Foundation notamment pour aider les jeunes
compositeurs et commandera notamment auprès de Hindemith, Stravinsky, Britten, Ravel, Bartók,…
En 1958, Bernstein devient lui-même directeur musical du New York Philharmonic Orchestra où il aura Claudio Abbado comme assistant. Il devient l’un des chefs d’orchestre les plus célèbres ; il est d’ailleurs le premier Américain à
diriger la Scala de Milan ! Il démissionne en ’68 pour se consacrer à la composition et démocratiser la musique classique surtout à l’égard des enfants et occupe un poste de professeur à Harvard. Il adorait la musique russe, le groupe
des 5, ainsi que celle de Mahler. Comme quelques-uns de ses compatriotes, il commence à écrire de la musique sérielle qu’il a assez vite abandonnée. Bernstein ne cherche pas à être un avant-gardiste et écrit plutôt de la musique populaire, tonale dans laquelle on entend son goût pour la comédie musicale. Il a composé 3 symphonies, plusieurs opéras
dont Candide, quelques musiques de films et de la musique religieuse.
♫ West Side Story (1957) comédie musicale
1. Prologue
18. West Side Story end credits
12
4. LA MUSIQUE EN BELGIQUE
4.1.
HENRI POUSSEUR (1929 MALMÉDY – 2009 WATERLOO)
BIOGRAPHIE
Henri Pousseur a étudié l’orgue auprès de Pierre Froidebise au CRLg qui lui partagea le goût pour la musique ancienne
mais aussi des tendances actuelles, à savoir le dodécaphonisme. Pousseur ne tarda d’ailleurs pas à rejoindre les Dodécaphonistes liégeois. Il rencontre Pierre Boulez en ’51 qui pousse Pousseur à continuer dans la voie postweberniennes. Quelques années plus tard, il rencontra Stockhausen et Luciano Berio à Darmstadt. Il sera d’abord
professeur de composition avant d’intégrer le poste de Directeur du CRLg en 1975. En tant que directeur, il va ouvrir
une multitude de classes telles que la musique de chambre expérimentale avec Jean-Pierre Peuvion, une section jazz
avec Steve Houben (qui se trouve actuellement à Bruxelles), des cours d’analyse, de composition mixte,
d’improvisation et de rock de chambre avec Garrett List,…
♫ Quintette à la mémoire de Webern (1955) pour clarinette, clarinette basse, violon, violoncelle et piano
Pousseur s’est inspiré de quatuor Op.22 de Webern.
On compte une dizaine d’œuvres de son époque sérielle, soit les années ’50. Beaucoup de compositeurs rencontreront John Cage en ’57 et beaucoup intègreront l’aléatoire dans leur langage. C’est le cas pour Stockhausen dans son
ème
Klavierstücke N°11, dans la 3 sonate de Boulez et pour Pousseur, évidemment, et son Mobile pour 2.
♫ Trois Visages de Liège (1961) pour électronique
Il s’agit d’une commande pour l’inauguration d’une sculpture où il fait le portrait sonore de la ville de Liège en 3 mouvements :
1. L’Air et l’Eau
2. Voix de la Ville
3. Forge
Il y mélange des sons électroniques et des sons concrets, notamment sa propre voix.
Vers 1960, il rencontre Michel Butor et entament leur collaboration avec Votre Faust écrit en 8 ans et montée seulement 3 fois depuis sa création en ’68. Michel Butor a réalisé le livret de l’opéra.
♫ La Chevauchée fantastique, extrait de Votre Faust (1961-68) pour soprano et piano
On peut jouer cet extrait séparément et même le jouer pour piano seul. Il s’agit d’une chevauchée musicale entre
Beethoven et l’époque actuelle.
Votre Faust est écrit pour 5 acteurs, 4 chanteurs et un ensemble de 12 instruments. Il est prévu que l’opéra dure entre
150 et 180 minutes en fonction des choix effectués notamment par le public. En effet, le public va lui-même choisir la
fin soit terrible, soit « toutquifinitbien ». Il y affirme son détachement avec la musique sérielle et exploite une idée
plutôt postmoderne en travaillant des citations historiques et en les collant avec l’aire du temps…
♫ Vue sur les Jardins interdits (1973) pour quatuor de saxophones
Il existe 7 versions différentes dont une pour quintette de clarinettes par Jean-Pierre Peuvion et validée par Pousseur.
e
C’est de la veine postmoderne car il inclut à nouveau une citation d’un choral de Samuel Scheidt (XVII Siècle). Elle est
écrite en hommage à la mort de Bruno Maderna.
INVESTISSEMENT PÉDAGOGIQUE
Pousseur a écrit un lot d’œuvres à dessein pédagogique dont les célèbres Méthodicares, vaste recueil divisé en 4
tomes de pièces de niveau débutant à fin d’académie :
Tome I pour claviers
Tome II pour instruments mélodiques
Tome III pour ensembles instrumentaux (musique de chambre)
Tome IV pour voix
Il a également publié plusieurs ouvrages philosophiques dont
« Musique sémantique société » : Sa thèse est que la musique est le reflet de la conjoncture sociale
« Schumann le poète » : Analyse des lieder de Schumann
« Fragments théoriques » ouvrage plus scientifique où il parle de notions d’acoustique, etc.
ainsi que de nombreux articles.
13
4.2.
PHILIPPE BOESMANS (1936 TONGEREN)
Philippe Boesmans, issu d’une famille modeste, étudie le piano au Conservatoire de Liège puis s’oriente vers la composition après avoir fait les rencontres décisives de Pierre Froidebise et d’Henri Pousseur. Au départ, il est influencé
par le postmodernisme mais s’en éloigne assez vite. Boesmans est un musicien et un compositeur intuitif, pragmatique, très sensible, pas un grand théoricien. Dans les années ’80, il réintègre un langage presque romantique mais n’est
pas « classé » comme un compositeur néo tonal. Sa musique est raffinée, colorée, sensuelle, plutôt modale.
L’intervalle de tierce est sans doute l’intervalle prédominant de son langage. Depuis une vingtaine d’années, sa production est exclusivement dédiée aux opéras. Par ailleurs, il a travaillé à la Monnaie, engagé par Bernard Foccroulle,
en tant que compositeur en résidence. Il a néanmoins composé plusieurs œuvres pour orchestre, 2 concertos pour
piano et violon, un mini-concerto pour alto, de la musique de chambre dont des quatuors à cordes, des pièces pour
piano, pour orgue, etc.
♫ Quatuor à cordes N°1 (1990) 1er mouvement Fly
Son harmonie est toujours plus complexe quand il n’écrit pas pour voix.
♫ Surfing (1990) pour alto solo et ensemble instrumental
Sa production d’opéras :
1. La Passion de Gilles
2. La Ronde
3. Wintermarchen
4. Julie
5. Yvonne, Princesse de Bourgogne
6. Au Monde
7. En cours de construction…. ;-)
♫ Julie (2005) opéra en 1 acte
Les personnages principaux sont Mademoiselle Julie, fille du comte, Christine, la bonne et Jean, le petit-ami de Christine et domestique. Julie réussi à séduire Jean, pourtant déjà fiancé à Christine, et se trouve déshonorée. Finalement,
Julie et Jean veulent s’enfuir à l’étranger et ont le projet de monter un hôtel ensemble mais Julie se donnera la mort
avant même de partir. C’est un opéra de chambre et l’orchestre ne contient qu’une vingtaine de musiciens.
4.3.
PIERRE BARTHOLOMÉE (1937 BRUXELLES)
Pierre Bartholomée a étudié le piano au Conservatoire de Bruxelles et la composition en cours privé avec Henri Pousseur et a, d’ailleurs, créé beaucoup de ses œuvres. Il étudie ensuite la direction d’orchestre avec Pierre Boulez. En
1962, Bartholomée et Pousseur fondent l’ensemble Musique Nouvelle, notamment pour créer Répons de Pousseur, et
le Centre de recherche et de création musicale de Wallonie. Il sera directeur musical de l’Orchestre Philharmonique de
Liège de 1977 à 1999, soit durant 22 ans. Il s’est d’abord montré très hésitant parce qu’il voulait plutôt faire la composition mais poussé par ses amis, il se présente finalement et gagne le concours de recrutement. Après sa démission, en
’99, sa production flambe ! Sa musique est très influencée par Stravinsky, la musique sérielle, Pousseur, Bério,… mais il
a un goût certain pour la musique ancienne. D’ailleurs, Musique Nouvelle a monté Didon et Enée de Purcell !
La Monnaie lui a commandé plusieurs œuvres sur des livrets d’Henry Bauchau :
o Le Rêve de Diotime (1999) scène dramatique pour soprano et orchestre de chambre
o Œdipe sur la route (2003) opéra en 4 actes
o La Lumière Antigone (2008) opéra
Sa musique est colorée, rythmique (influence stravinskienne), joyeuse, l’écriture est spontanée tout comme de Boesmans, à l’inverse de Pousseur et de Cage. Bartholomée n’est pas un compositeur néo-classique mais utilise volontiers
des accords consonants. Sa femme, Francette, harpiste, l’a aussi beaucoup influencé. On trouve peu d’œuvres sans
harpe…
♫ Fancy (1974) fantaisie pour harpe solo
L’œuvre rappelle parfois les musiques populaires, un peu de répétition, de jeux rythmiques et sur les effets de la harpe,…
♫ Ludos sapientiae (2001) oratorio pour solistes, chœur et orchestre
Commande de l’UCL sur un livret de François Jongen. La création s’est faite sur instruments anciens, sous la direction
de Jordi Savall. L’écriture est très contrapuntique.
14
4.4.
FREDERIC RZEWSKI (1938 USA)
Frederic Rzewski est un pianiste et compositeur américain d’origine polonaise. Il étudie le piano à l’University of Harvard et Bringstone et la composition avec Elliott Carter, Babbit et Dallapiccola, le premier compositeur italien avec
Scelsi à écrire de la musique sérielle. En 1960, il séjourne à Florence où il entame sa carrière de pianiste spécialisé
dans les musiques nouvelles. Quand il commence la composition, il est d’abord influencé par la musique sérielle généralisée mais s’en détourne assez rapidement pour renouer avec la consonance. 6 ans plus tard, il cofonde à Rome
Musica Elettronica Viva (MEV). Ce collectif rassemble des musiciens classiques et avant-gardistes et mélange les musiques électroniques et improvisation. Il se ne consacre donc qu’à la musique mixte (électronique et acoustique). Sa
musique est désormais influencée par le jazz, les musiques populaires.
o Les Moutons de Panurge (1968)
o Coming together (1972)
1977, Pousseur est nommé directeur du CRLg et désigne Rzewski comme nouveau professeur de composition. Il est
également visiting professor dans plusieurs universités prestigieuses tant aux États-Unis qu’en Europe.
Rzewski est un marxiste et antimilitariste notoire ; son œuvre est alors marquée par un profond engagement. Il intègre, par exemple, dans son langage des formes ou thèmes populaires qu’il revisite. Il travaille beaucoup la forme, la
structure.
♫ The People united will never be defeaded (1975) pour piano solo
Inspiré des Variations Diabelli de Beethoven, Rzewski crée cet ensemble de 36 variations sur un thème révolutionnaire latino-américain. « Le Peuple uni ne sera jamais vaincu » est une chanson écrite par Sergio Ortega pour Allende,
Président chilien, marxiste mais ayant mis en place un gouvernement de gauche démocratique. En 1973, la CIA finance une contrerévolution et par le biais d’un coup d’état, le Général Pinochet renverse l’actuel gouvernement pour se
mettre en place et instaure la dictature. L’état américain commande une pièce à Rzewski à l’occasion du bicentenaire
de sa révolution et celui-ci ne résiste pas à choisir le symbole d’un peuple opprimé par les USA.
4.5.
KAREL GOEYVAERTS (1923 – ANTWERPEN – 1993)
Karel Goeyvaerts a fait ses études au Conservatoire Royal d’Anvers puis à Paris avec Darius Milhaud, Olivier Messiaen
et René Leibowitz, professeur de Pierre Boulez et le premier compositeur français à écrire de la musique sérielle.
Il a également pris des cours d’onde martenot, instrument électronique inventé par Maurice Martenot, avec Martenot lui-même.
Messiaen a composé quelques pièces pour onde martenot.
ème
Goeyvaerts est le principal compositeur néerlandophone du XX
siècle.
♫ Sonate pour 2 pianos, Op. 1 (1951)
S’est inspiré de la sonate Mode de valeur et d’intensité pour piano
d’Olivier Messiaen, pièce sérielle. Il l’a crée avec Stockhausen au
cours d’un stage à Darmstadt.
Goeyvaerts pratique beaucoup la musique électronique, c’est l’un
des pionniers d’ailleurs. Il a donné quelques cours dans le studio
de Stockhausen à Cologne et fonde son propre studio à Gent, dans
les bureaux de la BRT. Il devient aussi producteur de musique pour
la BRT. Vers le milieu des années ’70, le minimalisme américain influence sa musique.
♫ Aquarius : l’ère du verseau (1983-93) opéra en 2 actes pour 16 solistes (8S + 8B) et orchestre
C’est son testament musical qu’il met tantôt 10 ans à écrire. Il y déverse son utopie de croire que le monde de demain
sera meilleur que celui d’aujourd’hui. Il s’est inspiré de l’apocalypse de Jean pour son livret.
4.6.
LUC BREWAEYS (1959 MORTSEL)
Luc Brewaeys et pianiste, compositeur et chef d’orchestre. Il a composé 2 opéras
o Antigone (1991) opéra de chambre
o Uomo dal fiore in bocca (2006)
Il était l’élève d’André Laporte puis a travaillé avec Franco Donatoni en Italie, avec Brain Ferneyhough et Xenaxis. Il a
également travaillé comme ingénieur du son pour la VRT. Son catalogue d’œuvres recouvre 8 symphonies, beaucoup
de musique électronique, ainsi que de la musique de chambre. C’est un compositeur de musique spectrale mais aime
aussi le lyrisme et n’écrit pas consonant. Il a été professeur à Rotterdam et à Gent.
♫ Requialm (1989) requiem pour soprano et orchestre
15
PARCOURS DES EXTRAITS MUSICAUX
STOCKHAUSEN
Gesang der Jünglinge (1956) ou le Chant des adolescents pour bande seule
Gruppen (1957) pour 3 orchestres symphoniques et guitare électrique
Klavierstücke n°11 (1957) pour piano seul
Momente (1962) pour soprano solo, 4 chœurs et 13 instruments
Mixtur (1964) pour orchestre et électronique live
Hymnen (1966-67) pour orchestre et bande magnétique
Stimmung (1968, = état d'âme, atmosphère, voix ou accordage) pour 6 chanteurs a capella
Oberlippentanz (1983) pour trompette piccolo solo
BERND-ALOÏS ZIMMERMAN
Concerto pour violoncelle et orchestre (1968) sous-titré En forme de pas de trois
Mauricio Kagel
Ludwig van (1969) forme ouverte
Tango allemàn (1977-78) pour voix, violon, bandonéon et piano
La Rose des vents (1988 – 94) pour orchestre de salon
HELMUT LACHENMANN
Pression (1969 – 2010) pour violoncelle solo
WOLFGANG RIHM
Départ (1988) pour chœur mixte, chœur parlé et 22 instrumentistes
JOHN CAGE
Imaginary landscape N°1 (1939) pour 2 électrophones, piano et cymbales
Sonate N°5 pour piano préparé
Imaginary Landscape N°4 (1951)
Music for Marcel Duchamp (1951) pour piano préparé
Music of changes (1951) pour piano
4’33 (1952)
Music for amplifyedtoys piano (1960) pour piano jouets
Music for two (1987) forme ouverte pour 2 instrumentistes
Three dances (1945) pour 2 pianos préparés
STEVE REICH
In C (1935) forme ouverte de Terry Riley
It’s gonna rain (1965) pour bande magnétique
Piano face (1967) pour 2 pianos
PHILIP GLASS
Symphonie N°4 « Heroes » (1996)
Concerto pour violon (1987)
MORTOM FELDMAN
Piano three hands (1957) pour 2 pianistes
ELLIOTT CARTER
Mozaic (2005) pour harpe, violon, alto, violoncelle, contrebasse, flûte, hautbois et clarinette basse
LEONARD BERNSTEIN
West Side Story (1957) comédie musicale
1. Prologue
18. West Side Story end credits
HENRI POUSSEUR
Quintette à la mémoire de Webern (1955) pour clarinette, clarinette basse, violon, violoncelle et piano
Trois Visages de Liège (1961) pour électronique
La Chevauchée fantastique extrait de Votre Faust (1961-68) pour soprano et piano
Vue sur les Jardins interdits (1973) pour quatuor de saxophones
PHILIPPE BOESMANS
er
Quatuor à cordes N°1 (1990) 1 mouvement Fly
Surfing (1990) pour alto solo et ensemble instrumental
16
Julie (2005) opéra en 1 acte
PIERRE BARTHOLOMÉE
Fancy (1974) fantaisie pour harpe solo
Ludos sapientiae (2001) oratorio pour solistes, chœur et orchestre
FREDERIC RZEWSKI
The People united will never be defeaded (1975) pour piano solo
KAREL GOEYVAERTS
Sonate pour 2 pianos, Op. 1 (1951)
Aquarius : l’ère du verseau (1983-93) opéra en 2 actes pour 16 solistes (8S + 8B) et orchestre
LUC BREWAEYS
Requialm (1989) requiem pour soprano et orchestre
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BIBLIOGRAPHIE
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http://brahms.ircam.fr/wolfgang-rihm
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http://www.lamediatheque.be/travers_sons/gb_g10.htm#nouvcomplex
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http://brahms.ircam.fr/morton-feldman
http://www.leonardbernstein.com/
http://www.cebedem.be/en/composers/g/29-goeyvaerts-karel
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